Inspiración

Steilneset, historia de un encuentro

Entre 1600 y 1691 la caza de brujas dejó 91 víctimas, la mayoría mujeres, en el pequeño pueblo noruego de Vardø, situado al noreste de la península escandinava, por encima del Círculo Polar Ártico. Un sitio de por sí inquietante, iluminado por el sol de medianoche. Una pequeña comunidad pesquera, que quedó desgarrada por este hecho, documentado en numerosos textos sobrevivientes.

Para conmemorar estas muertes distantes en el tiempo, y convocados por el gobierno noruego, que buscaba generar una atracción turística en la zona, el arquitecto Peter Zumthor y la artista Louise Bourgeois aunaron fuerzas para crear Steilneset , un monumento doble situado en el lugar de las ejecuciones. El proyecto se encuadró en el programa nacional de generación de rutas turísticas de Noruega, una iniciativa que busca inyectar nueva vida a poblaciones que debido a la globalización han visto declinar sus fuentes de trabajo tradicionales.
Las peculiaridades del paisaje (una inmensa costa desnuda de árboles) y de un clima extremo en el que las temperaturas rara vez superan los diez grados centígrados, dialogan con una arquitectura austera que materializa, empleando madera, cristal, acero y fibra de vidrio, la tragedia de las víctimas.
STEILNESET-MINNESTED_20 STEILNESET-MINNESTED_21El centro de información, el pabellón íntegramente diseñado por Zumthor, domina el lugar y consiste en un armazón de 125 metros de largo compuesto por una estructura de 60 pórticos de madera que suspenden mediante cables una estructura de fibra de vidrio recubierta de teflón y techada con aluminio corrugado, de colores claros en su exterior pero sombría en su interior.
El edificio se inspira en la forma que tenían los bastidores de madera que los pescadores locales utilizaban para secar la pesca del día.
 
 
 
 
 
 
 
 
 
STEILNESET-MINNESTED_27Una pasarela de madera conduce al interior del edificio, en donde un pasillo de 100 metros de largo y 1,5 de ancho acoge una colección de carteles que describen la historia personal de las 91 víctimas.
Asimismo, cada uno de los difuntos ha sido representado por una pequeña ventana iluminada con una bombilla. Zumthor decidió su ubicación lanzando un dado, un procedimiento aleatorio que quiso reflejar poéticamente la arbitrariedad de los juicios. Las vistas y sentido de lo exterior están estrictamente mediadas.
 
 
 
 
STEILNESET-MINNESTED_32 STEILNESET-MINNESTED_30El segundo edificio, un cubo de acero corten y cristal negro, cobija la obra de Louise Bourgeois: “Los condenados, los poseídos y los amados”. La instalación contiene en el centro del cubo una silla de aluminio de la que surgen cinco llamaradas de fuego, que se reflejan en los siete espejos ovalados que se sitúan alrededor del asiento. La estructura está abierta a los elementos externos, dejando pasar los fríos vientos del norte, generando una cualidad atmosférica muy específica del lugar.
 
 
La creación busca simbolizar los juicios de Vardø y se enmarca dentro de la reivindicación feminista que recorre gran parte de la obra de Bourgeois. La obra fue uno de los últimos proyectos de la artista francesa, que falleció en 2010.

“Hay una línea, que es mía, y un punto, que es suyo”, dijo Zumthor, al hablar del proceso creativo. “La instalación de Louise [Bourgeois] trata más sobre la quema y la agresión, mientras que mi instalación habla sobre la vida y las emociones [de las víctimas]”.

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Por sus cualidades propias, por el paisaje maravilloso y por cierta mística que también envuelve a otras obras de Zumthor (y de Louise) Steilneset tiende a convertirse en un sitio de peregrinación desde su apertura en 2011.
Una iniciativa de reactivación de áreas rurales desplazadas por medio de construcción de rutas turísticas, mediante la recuperación de las, muchas veces terribles,  historias locales y una efectiva operación quirúrgica surgida de la conjunción de dos talentos en un marco natural de una inherente y rara belleza.
Fotografías: Bjarne Riesto

1 marzo 2016 / by / in ,
Proyecto Aura

Proyecto Aura fue desarrollado por el equipo Hiscali (jóvenes arquitectos de la Universidad de Sevilla (España) y estudiantes de Ingeniería de la Universidad de Santiago de Cali (Colombia) como propuesta para la primera versión latinoamericana del Decatlón Solar 2015, donde ganó el tercer premio.
El equipo Híscali lanza una apuesta por la gestión alternativa y sustentable de la habitación humana y sus diferentes espacios, para lograr cohesión social en todas las escalas (social, urbana, territorial). Para esto plantea una serie de estrategias guiadas por la autoconstrucción, el diseño a largo plazo y la flexibilidad que multiplican las posibilidades de actuación de la vivienda, incluso en los sectores de bajos recursos.

El proyecto contempla el estudio de tradiciones latino-mediterráneas, reformulando los conceptos que acarrean y buscando relacionar esas dos tradiciones: las latinoamericanas y las mediterráneas como dos caras de una misma moneda. Como síntesis de esa búsqueda, el equipo desarrolla el concepto de “gayola”, según sus propias palabras “malla espacio-temporal como ley que regula el crecimiento y la agregación de las células habitacionales, los edificios, las manzanas o cualesquiera sean las unidades en cuestión, en función de a qué escala se esté trabajando… a nivel edificio esta malla se compone de elementos horizontales – forjados – elementos verticales – pantallas – y otros elementos estructurantes tales como las conducciones de instalaciones, que alojarán también núcleos húmedos de las viviendas. En un estadio cero, la gayola se presenta semivacía, con el equipamiento básico, lista para comenzar su proceso de ocupación… la referencia a la ‘gayola’ se concibe también como un elemento de ida y vuelta entre la realidad de Latinoamérica y la europea en general y española en particular, en alusión a los ‘elefantes blancos’, edificios inacabados, generalmente en fase de estructura, existentes por motivos de la crisis, que se encuentran a la espera de su re-utilización o finalización.”

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Maqueta de prototipo de unidad habitacional

Proyecto Aura preveé la construcción de estas gayolas, como elementos de ocupación del territorio y la escala, que acumulan en su interior las facilidades técnicas y estructurales necesarias para un habitar mínimo; habitar que recogiendo las estrategias de autoconstrucción fuertemente enraizadas en nuestra cultura latinoamericana, especial aunque no únicamente en sus clases trabajadoras, puede crecer fácilmente utilizando paneles modulares prefabricados. De esta manera las familias pueden acceder progresivamente a formas más optimizadas de ocupación de sus lotes. El proyecto va de la tierra a la urbanización, del vecindario al edificio.
 
 
 
 

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Espacios transicionales

 
 
 
Con el objetivo de reducir el calor y la humedad pasivamente, la ventilación cruzada de la vivienda es un objetivo central para incrementar el confort térmico, que fragmenta el concepto tradicional de urbanización compacta y genera espacios transicionales que crean nuevos usos (y porque no, recuperan viejas tradiciones). Este “colchón” de separación entre viviendas cumple la función de terraza-zaguán-patio. Es un espacio exterior que se da a cada vivienda, cubierto pero abierto, alejado de la radiación directa del sol. Para reducir la absorción de calor, se propone asimismo el uso de aleros y contraventas que generan espacios en sombra que permiten la ampliación de cada vivienda si es necesario por el crecimiento de la familia, y el desarrollo de actividades al aire libre. Un espacio vividero, posiblemente de fuerte presencia vegetal, propio de la cultura latina, mediterránea.

“(…) hacía una siesta de diez minutos sentado en la terraza del patio, oyendo en sueños las canciones de las sirvientas bajo la fronda de los mangos (…)”
El amor en los tiempos del cólera. Gabriel García Márquez
“Mi infancia son recuerdos de un patio de Sevilla, y un huerto claro donde madura el limonero; (…)
Campos de Castilla (Cap. 1. Retrato). Antonio Machado

El Proyecto Aura no propone un prototipo cerrado de vivienda, sino un sistema flexible de apropiación del espacio a partir de parámetros sociales y medioambientales. Por este motivo, sería posible, mediante un estudio previo de cada situación concreta y una adaptación a la realidad de cada lugar, transformar este sistema para su implementación, tanto en regiones tropicales de América Latina como para la rehabilitación de viviendas energéticamente obsoletas en España.
Más información aquí

24 febrero 2016 / by / in , , , ,
ARQUITECTO I – Tadao Ando visita a Hopper

 
 

” Una criatura que se esconde y se encierra en su coraza, está preparando una “salida”. Esto es cierto de toda la escala de metáforas, desde la resurrección de un hombre en su tumba, a la repentina explosión de uno que tiene mucho estado en silencio. Si permanecemos en el centro de la imagen en cuestión, tenemos la impresión de que, al quedarse en la inmovilidad de su coraza, la criatura está preparando explosiones temporales, por no decir torbellinos, de ser ” .
– Gaston Bachelard , La poética del espacio

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Hopper pinta la soledad . . . . el escenario lo hace Tadao Ando.
Hopper es capaz de darle imagen a la soledad. Esa imagen está representada en el existencialismo de los personajes de sus cuadros. Es esta gente que está sola en el mundo, como todos lo estamos desde ese punto de vista, solos frente a la vida, solos frente a nuestras limitaciones, a nuestras angustias. Pero Hopper toma ese lado oscuro de nuestra vida y la pone a la vista, en tensión, con los escenarios más cotidianos posibles, en las maquetas donde nuestras vidas transcurren. Así esos espacios impersonales se llenan de nosotros porque son lugares familiares, cotidianos y se completan con nuestra abstracción y por lo tanto se vuelven todavía más familiares, más cercanos y cotidianos. Asi es como sus pinturas llegan a través de nuestros ojos a nuestra más profunda y angustiante pregunta ontológica. Es en este punto donde Hopper se acerca a Tadao Ando. Abocado en su noble tarea de encontrar estos lugares y mostrarnos sus interiores ya no físicos sino espirituales, es donde toca las mismas notas que Tadao Ando. Entonces somos nosotros frente a lo que no sabemos, frente a lo que todavía ignoramos, lo que todavía está por preguntarse y no podemos siquiera adivinar esa pregunta. La escena es el momento preciso en que nuestra pregunta está por salir y sería diferente antes o después de ese tiempo sin tiempo. En este encontrarse con uno mismo, Hopper pone su poesía del mismo modo que Tadao Ando pone su arquitectura. Sus espacios están mostrando el vacío que nos abisma, nos ofrece solo un esqueleto listo para ser tomado, ocupado.
Tadao Ando ha dedicado su obra a dominar los materiales que utilizamos todos los arquitectos, pero en forma tal que logra, más que una integración, una convivencia y una armonía pocas veces logradas por otros. Hay que entender que la obra no son solo los materiales que utiliza, sino los espacios que genera. La expresividad, el despojo y la simplicidad cargan de poesía a esos mismos materiales, significando y resignificando al mismo tiempo el valor del encierro, la introspección, la coraza que declara Bachelard.
Sus espacios son entonces estructuras donde nuestras dilaciones pueden ser volcadas. Incluso cuando se expresa con palabras, habla de conceptualizaciones y de como comprender los elementos que componen sus obras. En general va a tratar de referirse a la naturaleza y el hombre como gran encuentro que produce tensiones que enriquecen el espacio y sacuden el alma (1).
“Mis espacios nacen no de una operación intelectual, sino de emociones arraigadas en los deseos de mucha gente  . . . mis espacios trascienden la teoría y claman por los más profundos niveles espirituales. En otras palabras mis espacios se relacionan con fundamentales aspectos de la humanidad” (2).
Tadao Ando construirá su primer obra en New York. El proyecto estará ubicado en Elizabeth Street Nro 152 , un área llamada Nolita (North Little Italy) en Manhattan,  una zona densamente comercial, estratégicamente ubicada cerca de todo en NY (ver plano).  Aquí también va a utilizar sus materiales: hormigón, acero y vidrio para delimitar un espacio de silencio en medio de la ciudad. Un hiato que permitirá a sus habitantes encontrarse con ellos en la profundidad de sus preguntas. Sus plantas son realmente muy simples y racionales. Los interiores que se ven en las imágenes apelan a la simplicidad más que a la ornamentación. El volumen del edificio reconstruye la esquina  con cada losa que termina en un perfil metálico. Sobre ellos se asientan las carpinterías de perfiles muy delgados. El resto del edificio es hormigón expuesto con la retícula de los separadores del encofrado que le otorgan al conjunto la típica grilla que vemos en todas sus obras.
Nada esta librado al azar, nada es fortuito, todo esta calculado precisamente para estar donde debe estar, en este equilibrio tan saludable.
Tadao-Ando-2 Tadao-Ando-3

Tadao Ando dice:
Una casa también puede existir dentro de esta ciudad metropolitana (…)  Me gustaría hacer una arquitectura que tiene ese tipo de sensibilidad sutil. Me gustaría crear algo que sólo un Japonés podría hacer. Se trata sobre la sensibilidad, ser muy sensible, para ser capaz de tratar el agua como un ser vivo. Para el tratamiento de la luz como un ser vivo. Esos elementos juntos pueden hacernos sentir que estamos vivos. Quiero hacer algo que toca los corazones humanos y deja una sensación dentro de sus corazones. Tal vez se trata de tanto luchar y vivir una vida tranquila . Estos son los grandes retos que enfrento y que encuentro satisfacción cuando puedo resolver los dos al mismo tiempo.(3)

Tadao-Ando-4No hay una sola manera de interpretar su arquitectura sobre todo porque es un código abierto y recibirá casi cualquier lectura que intente encontrar poesía en el espacio. Entrar en sus conceptos es una manera de aproximarse y de comprender que sus espacios están más relacionados con las emociones, con la reinterpretación de materiales comunes como la luz o el agua, con la materialización y la desmaterialización de los espacios porque siempre va a tratar de sorprender el alma más que los ojos.
 
Arq. Adrian Menichelli
(1) “I would like man and nature to confront each other, and to have tension maintain with regards to each other. I want to create a place where that will occur” (Tadao Ando , Space Design, September 1989 p. 36.
(2) Kenneth Powell, Tadao Ando, Buildings, Projects, Writings (New York, Rizzoli International, 1984)
(3) Extracto traducido del video donde se refiere específicamente a la experiencia de New York
 

Este video acompaña las imágenes ofrecida por los developers en su website.

22 febrero 2016 / 3 Comments / by / in , ,
Cmax, sistema de refugios de emergencia reconocido por la ONU

Cmax es un sistema de refugios de emergencia que provee refugio habitacional inmediato para damnificados  por desastres naturales o conflictos bélicos, que  fue diseñado por el argentino Nicolás García Mayor.
Nicolás García Mayor nació hace 35 años y es diseñador industrial. Terminó sus estudios en 2001, en la Universidad Nacional de la Plata, después de vivir dos años en una clínica abandonada porque no tenía dinero para pagar el alquiler. Allí se le ocurrió la idea de un sistema de urbanización para implementar en situaciones de catástrofes naturales como terremotos o inundaciones.
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Lo interesante de este proyecto sobresaliente, es que combina las ventajas de las tiendas de campaña con las de las casas rodantes, ya que se puede despachar y estibar como una carpa y  puede ser armado en solo 11 minutos entre dos personas, debido a su diseño eficiente y liviano. El sistema es una combinación de las mejores características de cada uno de esos productos, esto le permite ser desplegado en sólo horas luego de una catástrofe o evento, sin necesidad de herramientas ni grúas.
 
 
 
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Fabricado en polipropileno, aluminio y poliéster, el refugio puede resistir vientos y lluvias fuertes. Su costo de aproximadamente U$3000, lo hace más económico que un trailer o un contenedor, además de ser mucho más fácilmente transportable, ya que las unidades pueden ser apiladas para lograr un almacenamiento más eficiente que le permite ser enviado en diversos medios de transporte. El Cmax queda elevado del piso cuando está armado, ya que su piso rígido con patas telescópicas ajustables de aluminio, se adapta a cualquier tipo de suelo y ambiente (cemento, piedra, arena o pasto).
 
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El Sistema Cmax, bautizado así por el hermano más joven de Nicolás (Carlos Maximiliano)  provee módulos habitacionales para que una familia entera, de hasta 10 personas, viva, coma y duerma; e incluye núcleos sanitarios, que se proveen por separado, están hechos de plástico y también descansan sobre patas ajustables. Están divididos en tres segmentos que pueden ser equipados con toiletes o duchas, según sea necesario. Puede incluir mesa desplegable con sillas, y es reusable.
 
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También se provee un Kit de supervivencia con contenido variable, equipado para cada ocasión, que incluye contenedores y purificadores de agua, bolsas de dormir, linterna, radio, Kit de primeros auxilios, mosquiteros, alimentos no perecederos e incluso lápices y cuadernos para los niños.
Por último Nicolás propuso diversos modelos de urbanización que se adapten a diferentes necesidades. Según sus propias palabras “No se apoya sobre el suelo, tiene unas patas telescópicas que permiten el armado sobre cualquier superficie. Hay que tener en cuenta que muchas veces son zonas inundadas o muy frías y dormir contra el suelo es un drama. Además está pensado para colgarlo literalmente de la montaña… Desde el inicio pensé en que los refugios debían tener mínimo confort… Uno nunca sabe cuándo le va a tocar. Siempre concebí desde ese lugar la idea de asilar del mejor modo a los semejantes que tienen problemas.” Y agrega, “En la caja de una camioneta podrían transportarse dos módulos para albergar a 20 personas, en un avión o helicóptero 20 módulos y en un tren 1900. La gente que está bajo la lluvia solo tiene que esperar que le traigan los módulos y abrir el packaging. Con este proyecto podremos salvar miles de vidas”.
 
En el año 2014, consiguió ser recibido por el Ministerio de Relaciones Exteriores, y a partir de allí viajar al Foro de Ayuda Humanitaria en Washington, Estados Unidos, y posteriormente a la audiencia más importante a la que aspiraba: la de Naciones Unidas. El contacto con la ONU surgió en mayo de ese año cuando desde la Cancillería invitaron a su empresa AR Estudio a enviar algún proyecto. Frente a 193 representaciones del mundo demostró que sus refugios plegables acercarán una solución dinámica, económica y confortable para las familias afectadas.  Además en el año 2014 fue galardonado con el premio TOYP (Ten outstanding young people/ diez personas jóvenes sobresalientes) por su contribución a la niñez, la paz mundial y los derechos humanos.

18 febrero 2016 / 3 Comments / by / in , ,
Seashore Library

Seashore Library, literalmente la “Biblioteca de la Costa” podría fácilmente ser considerada la biblioteca mejor ubicada que se haya visto. Una mezcla equilibrada de diseño, entorno pacífico e increíbles vistas, este proyecto se encuentra a tres horas de Pekín y es parte de un complejo vacacional que busca promocionar un estilo de vida más tranquilo que el ajetreado de la ciudad.

La biblioteca, construida íntegramente en concreto, se asienta frente al mar, casi en el agua, en  la bahía de Bohai y contiene una enorme área de lectura que se vincula directamente con él, un espacio más tranquilo para meditar, un salón de usos múltiples, un bar y un área de descanso. El estudio Vector Architects diseño y construyó este proyecto orientando los ambientes hacia el este, para crear una relación única con el océano, permitiendo su contemplación y al mismo tiempo aprovechando al máximo la luz natural y las corrientes de aire para iluminar y ventilar las diversas partes de esta bella estructura.
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La sala de lectura es la mayor, comprendiendo dos pisos y una doble altura, donde se ubican escalonadamente mesas y sillas, de manera que la vista se disfruta desde cualquier ubicación. En el nivel de planta baja, una serie de puertas ventana vidriadas pivotantes se operan manualmente, para abrir la biblioteca al océano los días lindos, mientras que una tira de ventanas horizontales abre visuales desde la planta superior.
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Cerchas de acero que se disponen de este a oeste soportan el vano completo del pabellón, dejándolo libre de columnas, hasta que la cubierta se curva para fundirse con la pared, orientando todo el espacio de manera que funciona como un gigantesco mirador hacia el mar. En la cubierta se abren pequeñas perforaciones ovales que permiten ingresar haces de luz, que dibujan el suelo a la vez que facilitan la ventilación natural.
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El cuarto de meditación es mucho más modesto en tamaño, y está localizado en el piso superior, cerca del área de lectura. En contraste con ella, aquí solo encontramos dos pequeñas ventanas que no permiten vistas pero sí controlan la cantidad y calidad de la luz que ingresa al espacio.
seashorelibrary12El concreto revela cada imperfección e irregularidad de los tableros de madera y su textura varía de acuerdo al momento del día, dependiendo de la luz, generando espacios expresivos y cambiantes. El salón de usos múltiples está separado del espacio de lectura por una pared de concreto que, a la vez lo abre al océano, permitiendo una gran variedad de actividades sin irrumpir en la tranquilidad y serenidad del mismo.
La Seashore Library, una biblioteca de ensueño para lectores amantes del mar.
 
 
Ficha técnica:
Ubicación: Beidaihe new district, Bahía de Bohai, China
Cliente: Beijing rocfly investment (group) co., ltd
Estudio: Vector architects (Zhiyong Liu, Hsi Chao Chen, Hsi Mei Hsieh
Ingeniería estructural: Beijing Yanhuang International Architecture & Engineering co.,ltd.
Estructura: Hormigón Armado
Materiales: Concreto, Bambú laminado, Bloques de vidrio
Superficie construida: 450 m2
Construcción: 07/2014- 04/2015

10 febrero 2016 / by / in
Metamorfo

Metamorfo (Metamorphous en idioma original) es un proyecto del estudio de arquitectura paisajista de Paul Sangha, con base en Vancouver BC, Canadá, un malecón siempre cambiante que modificó el carácter de una línea costera….

8 febrero 2016 / by / in
Palacio de Congresos y Exposiciones Vegas Altas
 En un entorno indefinido, urbano y periférico, el Palacio de Congresos y Exposiciones Vegas Altas de Villanueva de la Serena, en Badajoz, ocupa el primer campo de cultivo, o tal vez el último, en una tierra que es a la vez urbana y periférica. La propuesta arquitectónica pretende por un lado, destacar esta condición atemporal e  icónica de edificio, que se resuelve en un cubo, como un edificio exento, flotante en la campiña, como un atado gigantesca de paja ante un horizonte plano. Por otro lado, es un edificio que se esconde a su condición urbana enterrándose.

 
Esto es así porque el programa se desarrolla en un anillo semienterrado que se adapta al terreno y a los límites de la parcela, donde  franjas de vegetación y lucernarios dibujan su superficie, buscando en esta operación desdibujar su carácter de edificio y pasar a ser campo. Por otro lado, el volumen cúbico que absorbe la caja escénica, se eleva con rotundidad. El edificio dispone, por esta operativa proyectual, de un auditorio principal con capacidad para 800 espectadores y una sala secundaria con capacidad para 275 espectadores, pudiéndose utilizar ambas al mismo tiempo o elegir entre una u otra en función de la asistencia esperada y la naturaleza del evento. El auditorio principal puede utilizarse como auditorio de música, teatro, congresos y conferencias y proyecciones. El auditorio menor, para conciertos de música de cámara, teatro y conferencias. Ambos se ubican en la zona enterrada, junto a una sala de exposiciones y las zonas de instalaciones.
A su vez el cubo aloja en su planta baja los accesos, la boletería, la administración, y en pisos superiores las salas de ensayo y el restaurante que, situado en el último piso, busca convertirse en lugar de referencia para toda la ciudad. En general se sitúan en el cubo los usos suceptibles de ser utilizados en horarios diferentes al resto del edificio.
planta-principal-y-secciones CUBIERTAS-Y-ALZADOS-CUBO
Esta doble operación permite dotar de amplios espacios verdes públicos a la ciudad al enterrarse la mayor parte del programa de las salas, generando un gran parque público, una zona de estacionamiento y una plaza seca inclinada que sirve tanto de acceso al complejo como de auditorio al aire libre para actividades alternativas. “El jardín es la verdadera fachada del Palacio de Congresos y Exposiciones”, cuentan sus autores.
El acceso al edificio semienterrado es un espacio con gran relación con el exterior. Por su configuración puede ser usado para múltiples propósitos, como sala de exposiciones temporales, recepciones y clausuras de congresos, charlas y pequeñas conferencias. Los propios pilares de este espacio arquitectónico pueden funcionar como soporte expositivo. Existe un dilatado espacio público continuo conformado por el vestíbulo de entrada y la sala de exposiciones, con los auditorios en cada extremo, que se unen cerrando el anillo con un área de servicios de escena e instalaciones.
Detalle-maromaEl edificio busca en su superficie superior ser mimético con un entorno natural árido. La fachada del cubo es una piel estructural de hormigón armado con una geometría de huecos compleja, velada parcialmente y sobre todo durante el día por una segunda piel, separada entre 1 y 1,5 m de la primera, realizada con maromas (enormes trenzas de paja) dispuestas horizontalmente y sostenidas mediante una subestructura metálica. Por la noche los huecos se pueden ver más claramente, gracias a la iluminación interior, acentuando la condición icónica referencial del edificio. En todas las zonas donde el hormigón queda visto (fachada del cubo, cubiertas de auditorios y sala de exposiciones) se lo dotó de una coloración dorada que acentúa esa búsqueda mimética.
 
 
 
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Sin embargo, sus interiores subterráneos se definen por una frescura más artificial. Todo el recorrido desde la entrada a las salas va acompañado por una tensa de lámina de tela blanca que refleja un entorno más irreal. Los auditorios realizados con distintos despieces de policarbonato con colores verdes agua definen un volumen profundo, un mundo acuático sin una dimensión precisa que contrasta fuertemente con el exterior árido.
 
 
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Existe una deliberada ambigüedad material en la configuración general del edificio, en el tono del hormigón que es mismo de la tierra circundante, en los colores de la vegetación trasladados a los hilos que conforman las maromas de las fachadas y en la naturaleza acuosa de los acabados interiores. Igualmente existe un ambiente fluctuante donde todos los espacios cambian su carácter en el transcurso del día, al cambiar la luz de este a oeste, de luz natural a luz artificial.
 
 
 
El Palacio de Congresos y Exposiciones Vegas Altas se apega a las condiciones climáticas del entorno. Plantea un bajo consumo energético y un mantenimiento sencillo. Por un lado, tiene una gran inercia térmica gracias a los muros de hormigón y la cubierta cultivada para mantener una constante temperatura agradable en invierno y en verano. Al mismo tiempo, funciona como “un umbráculo ventilado”, otra vez según palabras de sus autores. Es un cuerpo callado que pretende pasar desapercibido, pero al mismo tiempo se ilumina para ser visible desde todas partes como un faro en el mar del campo de la Vega. Y en la alimentación consciente de esta paradoja es probable que resida su atractiva frescura.
Ficha Técnica
Nombre del proyecto: Palacio de congresos y exposiciones de Villanueva de la Serena (Badajoz)
Arquitectos: Luis Pancorbo (Madrid 1969), José de Villar (Madrid 1976), Carlos Chacón (Madrid 1977), Inés Martín Robles (Salamanca 1976), Pancorbo arquitectos
Premio: Concurso internacional, primer premio 2008
Localización: Villanueva de la Serena (Badajoz)
Estructuras: Juan Rey, Pablo Vegas, Jacinto Ruiz Carmona (Mecanismo)
Ingeniería acústica: Higini Arau (Arau Acustics)
Construcción: 2010/ 2014
Constructora: Placonsa ( Eloy Montero, Julio Oreja, Site Manager)
Fotografía: Jesús Granada, fotografía de arquitectura.
 

3 febrero 2016 / by / in , ,
Piscinas naturales : una tendencia que crece.

Una tendencia que se viene afirmando cada vez más es  la de elegir piscinas naturales o ecológicas por sobre las tradicionales. Su cercanía a un estanque es lo que hace a las piscinas naturales atractivas, especialmente para las personas a quienes les gusta el ambiente natural. De hecho es una mezcla entre estanque y piscina. ¿Pero, qué es lo que hace que una piscina merezca esa denominación?…

25 enero 2016 / by / in ,
Tierra apisonada en la Trienal de Setouchi

Tadashi saito + atelier NAVE usaron tierra apisonada en un proyecto de la Trienal de Setouchi, en 2013.
Desde 1780 a 1900, había más de 400 maestros carpinteros en las Islas Shiwaku, Japón. Basándose en la observación de este hecho, Tadashi Saito + atelier NAVE desarrollaron iniciativas para preservar las técnicas de los artesanos locales, intentando asegurar que la práctica pudiera ser transmitida a las generaciones futuras. Como parte de esta actividad y, con el apoyo de la Trienal de Setouchi de 2013, los arquitectos construyeron 17 baños públicos en el área de Tohoku en el marco del proyecto ‘zenkon-yu’, pensado como soporte para paliar el desastre causado por el gran terremoto de ese nombre, que asoló el este de Japón. Con la llegada de la Trienal de Setouchi de 2013, Saito vió la oportunidad de revitalizar la actividad constructiva y construir nuevas estructuras a lo largo de las poblaciones costeras.

En contexto con el mar y la tierra de Honjima, 3oo personas cooperaron en la construcción de estos baños públicos usando tierra apisonada como el principal material constructivo. Originalmente esta técnica se conocía como ‘hanchiku’, y adiciona a la tierra del lugar un mordiente resultante de cristalización de la sal marina (que se conoce como nigari en Japón) y cal apagada para mejorar la fuerza estructural de la construcción. Se cree que esta técnica, como tantas otras, provino originalmente de China. La forma de los edificios es, en este sentido, una resultante de modos de construcción y estética japonesa tradicionales amalgamados con una visión más “moderna”, en lo relacionado a su síntesis formal.
El proyecto de recuperación de técnicas de carpintería tradicionales (Shiwaku) puede verse en los tejados. Pero Saito confiesa que la colaboración de los carpinteros no fue fácil. Se comenzó con un carpintero, y la situación mejoró a medida que avanzaba el trabajo.
La Trienal de Setouchi (también conocida como el Festival de Arte de Setouchi) es un festival de arte contemporáneo que se celebra cada tres años en una docena de islas en el Mar interior de Seto, que separa Honshu y Shikoku, dos de las islas más grandes del archipiélago japonés, con el objetivo de revitalizar sus poblaciones autóctonas. La próxima se celebrará en 2016. Más info aquí.
 
Arquitectos: Tadashi Saito + Atelier NAVE
Ubicación: Kagawa, Japan
Área: 32.0 m2
Año Proyecto: 2013
Fotografías: Toshihiro Misaki
Todas las imágenes son cortesía de tadashi saito + atelier NAVE

6 enero 2016 / by / in ,