Z A H A H A D I D
1950 – 2016
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Uno puede decir que la ciudad en sí misma es la suma de la memoria colectiva de su gente, y es así como la memoria se asocia a los objetos y los lugares. La ciudad es el “ locus ” de la memoria colectiva – Aldo Rossi
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“Y el hecho es que nadie, hasta ahora, ha determinado lo que puede el cuerpo, es decir, a nadie ha enseñado la experiencia, hasta ahora, qué es lo que puede hacer el cuerpo en virtud de las solas leyes de su naturaleza, considerada como puramente corpórea, y qué es lo que no puede hacer salvo que el alma lo determine (…) Además, nadie sabe de qué modo ni con qué medios el alma mueve al cuerpo, ni cuántos grados de movimiento puede imprimirle, ni con qué rapidez puede moverlo. De donde se sigue que cuando los hombres dicen que tal o cual acción del cuerpo proviene del alma, por tener ésta imperio sobre el cuerpo, no saben lo que se dicen, y no hacen sino confesar, con palabras especiosas, su ignorancia…”Baruch Spinoza (1)
Varias veces habia pasado por Ground Zero en downtown Manhattan y veía de lejos World Trade Center Transportation Hub (WTC Transportation Hub), la primer obra de Calatrava en Nueva York. A pesar los de muchos recortes de presupuesto (originalmente tenía unas alas que se agitaban como el museo de Milwaukee) y la constante re-ingeniería de costos, la ciudad terminó gastando 4 mil millones de dolares (el doble de lo presupuestado inicialmente) y tardó en construirse mucho mas tiempo del planificado. Estos son valores y contratiempos que construyeron mucha opinión en el tiempo, sumó detractores y relegó muchas otras obras quizás hubieran sido mas productivas para la ciudad. (2)
Yo era muy escéptico respecto de la obra quizás porque me sumaba a las críticas. Pensé que le faltaba escala, que no podía verse todo de un vistazo, que era demasiado blanco, que era demasiado alto, que estaba demasiado cerca de los edificios vecinos. Pensé que los materiales iban a ser demasiado monolíticos, que los arcos no se iban a juntar nunca. Pensé que difícil era adaptarse a las variables, códigos y restricciones de Nueva York. Pensé que había pasado demasiado tiempo y que se había descontextualizado, que había perdido vigencia, que había perdido su lugar en el plan general y que no iba a poder reubicarse. Pensé que era un plato volador que se había asentado en la plaza de las piletas y que no iba a poder mimetizarse con el lugar, pensé, pensé…
El jueves pasado se abrió al público . . . El domingo era destino obligado. Si bien no se puede acceder desde sus entradas naturales que son el Memorial del 11/9 y el Fulton Center (una entrada a 9 líneas de subte) había una entrada posible desde el edificio Número Cuatro en el conjunto WTC (Arq. Fumihiko Maki). Después de una laberíntica serie de pasillos muy amplios que servirán de acceso al edificio, llegué al espacio central elíptico debajo del “Oculus” que es la plataforma central desde donde se conectan la calle, el Path y el Subway. Estas son dos líneas diferentes de subterráneos que se conectan con Hoboken (New Jersey) y con toda la isla de Manhattan, respectivamente. En un nivel intermedio entre la calle y esta plataforma hay un balcón que rodea todo el espacio y donde se alinean locales comerciales. Hay muchos lugares donde todavía no es posible acceder, pero es mas que suficiente lo que se ve para poder apreciar la calidad espacial en la que estoy.
Todo lo que había especulado, sensaciones y variantes se esfumó. Me equivoqué completamente. Desde los materiales, los colores, la luz, la estructura, las proporciones, las perspectivas, todo apunta a lo que creo que es un obra de arquitectura sin precedentes.
Calatrava trabaja siempre desde el cuerpo, siempre lo representa en alguna medida. Hace referencia constante al movimiento corporal y al funcionamiento orgánico. Muchas veces son solo algunas ideas muy simples como el edificio Torso o incluso el museo de Milwaukee. En algunas obras demasiada literalidad quizás pero con una complejidad y obsesión por el detalle admirables. Sus croquis y trabajos sobre el cuerpo muestran un dominio de la proporción y expresividad corporal notables. Me resultó conmovedor el trabajo que hay puesto en la materialidad de las costillas y en cada encuentro de materiales o piezas. El conjunto es blanco (como casi toda su obra) pero tiene una opacidad, y una textura muy particular que remite más a una estructura ósea que a algo estructural. No es solamente la pintura que recubre y protege del fuego estas cuadernas de doce toneladas, hay algo más, algo que tiene que ver más con el aspecto del yeso que recubre un brazo quebrado. Eso es, ese material que toma y se acomoda perfectamente al cuerpo para sostenerlo y cuidarlo, para mantenerlo erguido cuando no puede con su propia voluntad. Al ser opaco tiene una diferente lectura, es más etéreo, digamos volátil. Todo el tiempo se siente que estamos en presencia de algo orgánico, algo que en cualquier momento comienza a moverse.
Pero no es solo el material o su textura y color, sino también su forma que recuerda, y recrea, el cuerpo. En alguna medida lo reinventa, porque no existe un cuerpo con esa forma. No es una vértebra, pero cumple la función de la vértebra y parece una vértebra. No es una costilla, pero cumple la función de la costilla y parece una costilla. No es piel, pero es la piel de vidrio que cubre todo el exterior. Quizás está ahí, en el casi-ser… En el medio de parecer y ser de un cuerpo y por eso, es libre de cobijar poesía y abrir la imaginación. Estas costillas cuando llegan al piso lo esquivan, hacen un codo para volver hacia la pared conectándose como una articulación y terminar en una columna embebida en el muro que a su vez se pierde en el vidrio de los locales comerciales. Parecen infinitas porque se pierden en las claraboyas superiores (Oculus) y vuelven a reaparecer y proyectarse hacia el lado opuesto produciendo el esqueleto de las alas. Son también blancas y óseas. Así es como se pierde la noción de materialidad, se entiende que hay algo más que las sostiene, pierden sus doce toneladas para disiparse en algo etéreo y muy liviano. Durante la noche el proyecto se ilumina desde abajo hacia arriba, produciendo un efecto aún mas contrastante entre la oscuridad y la luz. Es interesante observar que Calatrava considera las costillas blancas como haces de luz que de noche se iluminan de forma que el día es la materialización de esa luz. Así el color blanco se sigue resignificando y se le pueden encontrar otros posibles niveles de lectura.
Cuando Calatrava presentó su proyecto en el Jardín de Invierno del WTC (2004), presentó un dibujo de un chico lanzando una paloma al aire (ver el final del video presentación del proyecto en la website del arquitecto en este link). Este gesto le valió el eufórico aplauso de todos los presentes. Pero más allá de lo que dijo, detrás de esas palabras se esconde el juego personal, el del Santiago Calatrava que pone su rol de jugar al servicio del proyecto y literalmente juega y representa todas estas ideas juntas:
Sí, el Oculus se abre como las manos del niño.
Sí, el blanco representa la paloma que a su vez representa la paz después de tanto odio.
Sí, la estructura simula una paloma o un ave en el momento de despegar del piso.
Sí, desde adentro vemos que esta estructura podría ser esa paloma.
Todo se conjuga en un sutil juego entre la poesía y las ideas propias y de todos para producir este icono que pertenece a la ciudad, que es público y lo podremos disfrutar cada vez que visitemos el Memorial.
Entonces lo que hizo Calatrava es un cuerpo, tiene su esqueleto y su piel, tiene movimiento y su propia estabilidad. Representa con mucha sutileza su naturaleza ósea y orgánica.
Entonces la cita de Spinoza es más concluyente. Nadie sabe de lo que es posible un cuerpo sin la presencia del alma… El WTC Transportation Hub tiene alma, es el alma que lo lleva a primer plano en espacios que conmueven, tiene el alma de los que murieron en el ataque de 11/9. Por esto y por todo lo que no puede traducirse en palabras y que quizás pueda verse en las fotos, es que creo que este es un ícono audaz y contemporáneo que puede con su propia alma, que será heredado por futuras generaciones que mirarán al pasado para comprender cuales son los elementos necesarios para emocionar, para entender cómo crear poesía y para generar un mensaje positivo después de padecer tanta violencia concentrada en un solo lugar.
Arq. Adrian Menichelli
amenichel@hotmail.com
La arquitecta francesa Odile Decq (60) es la ganadora de este premio que se otorga a mujeres arquitectas, y que es parte del Architectural Review´s anual Women in Architecture Awards, que busca reconocer sus contribuciones a esta disciplina. La arquitecta fue premiada por “su fuerza creativa, su espíritu irreverente con las normas establecidas y por su permanente búsqueda de la igualdad”.
Banque Populaire de l’Ouest in Rennes, 1990
Odile Decq es conocida por su audaz uso del color, especialmente rojo y negro, y sus potentes puntos de vista sobre educación e igualdad. Ella fundó su propio estudio en 1978 y recibió un León de Oro en la Bienal de Venecia de 1996.
En esta época comienza a atraer la atención internacional en los 90s con proyectos como el del Banco Popular del Oeste, en Rennes, que ahora es objeto de una campaña que lo salve de una posible demolición, la campaña Building in danger!
Fangshan Tangshan National Geopark Museum, 2014
Entre otras obras significativas podemos mencionar la extensión al Museo de Arte Contemporáneo de Roma, totalmente vidriada y que contiene un auditorio encerrado en una caparazón laqueada en rojo brillante. También una obra de reciente terminación, el Museo Nacional Fangshan Tangshan, en Nanjing, China, y la reciente renovación a todo color de la Maison Bernard, también conocida como la Casa Burbuja, una obra icónica de los 70s del arquitecto húngaro Antti Lovag.
Decq fue decana de la ESA (École Spéciale d’Architecture) de París, desde 2007 hasta 2012. Fue también docente de esa casa de estudios durante 20 años. A partir de 2014 dirige su propia escuela de arquitectura en Lyon, la “Confluence Institute for Innovation and Creative Strategies in Architecture”, como respuesta a la frustración que le produjo la falta de libertad para reformar la manera en que la disciplina se enseña en la universidad.
Según sus propias palabras Decq, todavía
“está en guerra…todavía hay tanto por lo que pelear…la arquitectura es una disciplina que requiere una capacidad de comprensión de los fenómenos culturales, sociológicos, económicos, políticos y éticos del mundo. Esto es lo que los estudiantes necesitan aprender porque, en el actual estado de crisis, tenemos que repensar el mundo”
Más información sobre Odile Decq aquí.
Entre 1600 y 1691 la caza de brujas dejó 91 víctimas, la mayoría mujeres, en el pequeño pueblo noruego de Vardø, situado al noreste de la península escandinava, por encima del Círculo Polar Ártico. Un sitio de por sí inquietante, iluminado por el sol de medianoche. Una pequeña comunidad pesquera, que quedó desgarrada por este hecho, documentado en numerosos textos sobrevivientes.
Para conmemorar estas muertes distantes en el tiempo, y convocados por el gobierno noruego, que buscaba generar una atracción turística en la zona, el arquitecto Peter Zumthor y la artista Louise Bourgeois aunaron fuerzas para crear Steilneset , un monumento doble situado en el lugar de las ejecuciones. El proyecto se encuadró en el programa nacional de generación de rutas turísticas de Noruega, una iniciativa que busca inyectar nueva vida a poblaciones que debido a la globalización han visto declinar sus fuentes de trabajo tradicionales.
Las peculiaridades del paisaje (una inmensa costa desnuda de árboles) y de un clima extremo en el que las temperaturas rara vez superan los diez grados centígrados, dialogan con una arquitectura austera que materializa, empleando madera, cristal, acero y fibra de vidrio, la tragedia de las víctimas.
El centro de información, el pabellón íntegramente diseñado por Zumthor, domina el lugar y consiste en un armazón de 125 metros de largo compuesto por una estructura de 60 pórticos de madera que suspenden mediante cables una estructura de fibra de vidrio recubierta de teflón y techada con aluminio corrugado, de colores claros en su exterior pero sombría en su interior.
El edificio se inspira en la forma que tenían los bastidores de madera que los pescadores locales utilizaban para secar la pesca del día.
Una pasarela de madera conduce al interior del edificio, en donde un pasillo de 100 metros de largo y 1,5 de ancho acoge una colección de carteles que describen la historia personal de las 91 víctimas.
Asimismo, cada uno de los difuntos ha sido representado por una pequeña ventana iluminada con una bombilla. Zumthor decidió su ubicación lanzando un dado, un procedimiento aleatorio que quiso reflejar poéticamente la arbitrariedad de los juicios. Las vistas y sentido de lo exterior están estrictamente mediadas.
El segundo edificio, un cubo de acero corten y cristal negro, cobija la obra de Louise Bourgeois: “Los condenados, los poseídos y los amados”. La instalación contiene en el centro del cubo una silla de aluminio de la que surgen cinco llamaradas de fuego, que se reflejan en los siete espejos ovalados que se sitúan alrededor del asiento. La estructura está abierta a los elementos externos, dejando pasar los fríos vientos del norte, generando una cualidad atmosférica muy específica del lugar.
La creación busca simbolizar los juicios de Vardø y se enmarca dentro de la reivindicación feminista que recorre gran parte de la obra de Bourgeois. La obra fue uno de los últimos proyectos de la artista francesa, que falleció en 2010.
“Hay una línea, que es mía, y un punto, que es suyo”, dijo Zumthor, al hablar del proceso creativo. “La instalación de Louise [Bourgeois] trata más sobre la quema y la agresión, mientras que mi instalación habla sobre la vida y las emociones [de las víctimas]”.
Por sus cualidades propias, por el paisaje maravilloso y por cierta mística que también envuelve a otras obras de Zumthor (y de Louise) Steilneset tiende a convertirse en un sitio de peregrinación desde su apertura en 2011.
Una iniciativa de reactivación de áreas rurales desplazadas por medio de construcción de rutas turísticas, mediante la recuperación de las, muchas veces terribles, historias locales y una efectiva operación quirúrgica surgida de la conjunción de dos talentos en un marco natural de una inherente y rara belleza.
Fotografías: Bjarne Riesto
” Una criatura que se esconde y se encierra en su coraza, está preparando una “salida”. Esto es cierto de toda la escala de metáforas, desde la resurrección de un hombre en su tumba, a la repentina explosión de uno que tiene mucho estado en silencio. Si permanecemos en el centro de la imagen en cuestión, tenemos la impresión de que, al quedarse en la inmovilidad de su coraza, la criatura está preparando explosiones temporales, por no decir torbellinos, de ser ” .
– Gaston Bachelard , La poética del espacio
Hopper pinta la soledad . . . . el escenario lo hace Tadao Ando.
Hopper es capaz de darle imagen a la soledad. Esa imagen está representada en el existencialismo de los personajes de sus cuadros. Es esta gente que está sola en el mundo, como todos lo estamos desde ese punto de vista, solos frente a la vida, solos frente a nuestras limitaciones, a nuestras angustias. Pero Hopper toma ese lado oscuro de nuestra vida y la pone a la vista, en tensión, con los escenarios más cotidianos posibles, en las maquetas donde nuestras vidas transcurren. Así esos espacios impersonales se llenan de nosotros porque son lugares familiares, cotidianos y se completan con nuestra abstracción y por lo tanto se vuelven todavía más familiares, más cercanos y cotidianos. Asi es como sus pinturas llegan a través de nuestros ojos a nuestra más profunda y angustiante pregunta ontológica. Es en este punto donde Hopper se acerca a Tadao Ando. Abocado en su noble tarea de encontrar estos lugares y mostrarnos sus interiores ya no físicos sino espirituales, es donde toca las mismas notas que Tadao Ando. Entonces somos nosotros frente a lo que no sabemos, frente a lo que todavía ignoramos, lo que todavía está por preguntarse y no podemos siquiera adivinar esa pregunta. La escena es el momento preciso en que nuestra pregunta está por salir y sería diferente antes o después de ese tiempo sin tiempo. En este encontrarse con uno mismo, Hopper pone su poesía del mismo modo que Tadao Ando pone su arquitectura. Sus espacios están mostrando el vacío que nos abisma, nos ofrece solo un esqueleto listo para ser tomado, ocupado.
Tadao Ando ha dedicado su obra a dominar los materiales que utilizamos todos los arquitectos, pero en forma tal que logra, más que una integración, una convivencia y una armonía pocas veces logradas por otros. Hay que entender que la obra no son solo los materiales que utiliza, sino los espacios que genera. La expresividad, el despojo y la simplicidad cargan de poesía a esos mismos materiales, significando y resignificando al mismo tiempo el valor del encierro, la introspección, la coraza que declara Bachelard.
Sus espacios son entonces estructuras donde nuestras dilaciones pueden ser volcadas. Incluso cuando se expresa con palabras, habla de conceptualizaciones y de como comprender los elementos que componen sus obras. En general va a tratar de referirse a la naturaleza y el hombre como gran encuentro que produce tensiones que enriquecen el espacio y sacuden el alma (1).
“Mis espacios nacen no de una operación intelectual, sino de emociones arraigadas en los deseos de mucha gente . . . mis espacios trascienden la teoría y claman por los más profundos niveles espirituales. En otras palabras mis espacios se relacionan con fundamentales aspectos de la humanidad” (2).
Tadao Ando construirá su primer obra en New York. El proyecto estará ubicado en Elizabeth Street Nro 152 , un área llamada Nolita (North Little Italy) en Manhattan, una zona densamente comercial, estratégicamente ubicada cerca de todo en NY (ver plano). Aquí también va a utilizar sus materiales: hormigón, acero y vidrio para delimitar un espacio de silencio en medio de la ciudad. Un hiato que permitirá a sus habitantes encontrarse con ellos en la profundidad de sus preguntas. Sus plantas son realmente muy simples y racionales. Los interiores que se ven en las imágenes apelan a la simplicidad más que a la ornamentación. El volumen del edificio reconstruye la esquina con cada losa que termina en un perfil metálico. Sobre ellos se asientan las carpinterías de perfiles muy delgados. El resto del edificio es hormigón expuesto con la retícula de los separadores del encofrado que le otorgan al conjunto la típica grilla que vemos en todas sus obras.
Nada esta librado al azar, nada es fortuito, todo esta calculado precisamente para estar donde debe estar, en este equilibrio tan saludable.
Tadao Ando dice:
Una casa también puede existir dentro de esta ciudad metropolitana (…) Me gustaría hacer una arquitectura que tiene ese tipo de sensibilidad sutil. Me gustaría crear algo que sólo un Japonés podría hacer. Se trata sobre la sensibilidad, ser muy sensible, para ser capaz de tratar el agua como un ser vivo. Para el tratamiento de la luz como un ser vivo. Esos elementos juntos pueden hacernos sentir que estamos vivos. Quiero hacer algo que toca los corazones humanos y deja una sensación dentro de sus corazones. Tal vez se trata de tanto luchar y vivir una vida tranquila . Estos son los grandes retos que enfrento y que encuentro satisfacción cuando puedo resolver los dos al mismo tiempo.(3)
No hay una sola manera de interpretar su arquitectura sobre todo porque es un código abierto y recibirá casi cualquier lectura que intente encontrar poesía en el espacio. Entrar en sus conceptos es una manera de aproximarse y de comprender que sus espacios están más relacionados con las emociones, con la reinterpretación de materiales comunes como la luz o el agua, con la materialización y la desmaterialización de los espacios porque siempre va a tratar de sorprender el alma más que los ojos.
Arq. Adrian Menichelli
(1) “I would like man and nature to confront each other, and to have tension maintain with regards to each other. I want to create a place where that will occur” (Tadao Ando , Space Design, September 1989 p. 36.
(2) Kenneth Powell, Tadao Ando, Buildings, Projects, Writings (New York, Rizzoli International, 1984)
(3) Extracto traducido del video donde se refiere específicamente a la experiencia de New York
Este video acompaña las imágenes ofrecida por los developers en su website.
Lina Bo Bardi es seguramente la arquitecta contemporánea brasileña más reconocida e influyente, con sus emblemáticos edificios de arquitectura, muebles, exposiciones y teorías sobre arquitectura y diseño.
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La Sociedad Central de Arquitectos informa que se encuentra en exposición hasta el 15 de diciembre la muestra “Conversa arquitectura. Los planos del agua”, que integra obras de las artistas Luciana Levinton y Anke Mila Menck, en el Museo de Arquitectura, MARQ, ubicado en Av. Del Libertador 999, esquina Av. Callao. De martes a domingo, de 13 a 20hs.
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En el marco de la BA15, se realizó la convocatoria a la primera edición del Premio Oscar Niemeyer para la Arquitectura Latinoamericana (Premio ON).
La Red BAAL -que al momento aglutina a once bienales de arquitectura de América Latina-, realizó esta convocatoria durante la ceremonia de premiación y clausura de la BA15, con la presencia de los miembros del Directorio de la Red, los arquitectos: Augusto Alvarez (Mexico), Edwin Gonzales (Costa Rica) y Carlos Sallaberry (Argentina); del representante de la Fundación Oscar Niemeyer, el señor Carlos Ricardo Niemeyer; y, de los directivos de la BA15.
También asistieron al acto, el Presidente de la FPAA, el Arq. Joao Suplicy y el Director Ejecutivo de la Red BAAL, Arq. Handel Guayasamin, quien intervino para presentar las Bases del Premio ON y relievar la enorme significación de esta iniciativa que trasciende fronteras y constituye un elemento real de visibilización e integración de la Arquitectura Latinoamericana.
El Premio Oscar Niemeyer para la Arquitectura Latinoamericana, Premio ON, surge como una iniciativa de la Red de Bienales de Arquitectura de América Latina -Red BAAL-, fundada en Quito, y se ha constituido en una de las iniciativas fundamentales de la Red-BAAL, para reconocer lo mejor de su producción arquitectónica, en momentos de un indiscutible potenciamiento y presencia de la arquitectura latinoamericana en el contexto internacional.
El premio asume como denominativo, el nombre de un arquitecto icónico para América Latina: Oscar Niemeyer, cuya obra ha sido valorada y es reconocida en el Brasil, en América Latina y en el mundo. El premio cuenta con el aval de la Fundación Oscar Niemeyer, con quien la Red BAAL ha suscrito el correspondiente Convenio de cooperación interinstitucional el 14/11/2014.
El Premio Oscar Niemeyer para la Arquitectura Latinoamericana será otorgado cada dos años, a una obra construida. Se concederá un solo premio, por el carácter ejemplar del proyecto, por sus valores como propuesta arquitectónica y tecnológica; por su relación con el contexto y con los aspectos sociales, culturales y ambientales. El jurado del Concurso del Premio ON será internacional y sus tres miembros serán nombrados por el Comité Directivo de la Red-BAAL, para cada edición. Las funciones de secretariado serán asumidas por la Red-BAAL que designará un secretario que asistirá al jurado.
Se concederá un Premio Oscar Niemeyer único e indivisible para cada edición. El premio no podrá ser declarado desierto y es de carácter honorífico. Las determinaciones del jurado serán inapelables.
El plazo de inscripción y de envío se extienden hasta el 31 de mayo del 2016. Se pueden consultar las bases aquí.
Para más información se puede escribir a redbienalesarqamericalatina@gmail.com con el asunto Premio Oscar Niemeyer para la Arquitectura Latinoamericana.
Tras 15 años de abandono, la Terminal TWA, obra íconica y póstuma del arquitecto finés Eero Saarinen, se transformará en parte de un complejo hotelero.
Así lo anunció recientemente el gobernador del estado de New York, Andrew Cuomo, en septiembre pasado. Este anuncio viene a subsanar la falta de un hotel en el aeropuerto JFK de NY, uno de los pocos sin un hotel en sus inmediaciones en EEUU. En 2018 se reinaugurará como la TWA Flight Center Hotel, con 505 habitaciones distribuidas en dos torres de seis pisos, que se construirán en las inmediaciones de la Terminal TWA.
Según el plan dado a conocer a la prensa, las obras comenzarán el año que viene. El emprendimiento costará aproximadamente 265 millones de dólares, y generará 3500 puestos de trabajo.
Una de las premisas que se establecieron a la hora de autorizar la intervención fue que se debía respetar a rajatabla la integridad del diseño original de la Terminal TWA. De esta manera, la creación de Saarinen se mantendría sin modificaciones.
La terminal TWA fue inaugurada en 1962, un año después de la sorpresiva e inesperada muerte de Saarinen en el 61, durante su construcción. Como consecuencia de este hecho, fue el jóven César Pelli (quien había ingresado recientemente en su estudio) el encargado de llevar adelante las obras hasta la inauguración.
El icónico edificio de hormigón se inspira en la imagen de un pájaro a punto de levantar vuelo. La plasticidad de sus formas, sumado a sus innovaciones tecnológicas (fue la primera terminal en contar con cintas transportadoras para entregar el equipaje, anuncios en altavoz para comunicar los vuelos y mangas para llegar al avión), convirtieron a la obra en un emblema de la arquitectura moderna.
Durante los siguientes años, la fama de la Terminal TWA la llevó que su imagen fuera sinónimo del aeropuerto neoyorquino. Sin embargo, a causa de su definido y, aunque parezca paradójico, poco adaptable diseño, quedó obsoleta a fines de la década del 90 ya que el edificio no podía adecuarse a los requerimientos de los nuevos aviones ni a los volúmenes de pasajeros actuales. En el 2001 la aerolínea TWA quebró y la Terminal TWA dejó de usarse, aunque fue utilizada como set de filmación en la película Atrápame si puedes.
En 1994 la ciudad de New York designó a la Terminal TWA como un sitio histórico y en 2005 el Servicio Nacional de Parques la incluyó en el Registro Nacional de Sitios Históricos. Habrá que esperar a 2018 para ver los resultados de su inclusión en este complejo hotelero.
