“Los espejos corresponden al hecho de que en casa teníamos un gran ropero de tres cuerpos estilo hamburgués. Esos roperos de caoba, que eran comunes en las casas criollas de entonces (…) Yo me acostaba y me veía triplicado en ese espejo y sentía el temor de que esas imágenes no correspondían exactamente a mí y de lo terrible que sería verme distinto en alguna de ellas”. (1)
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Uno puede decir que la ciudad en sí misma es la suma de la memoria colectiva de su gente, y es así como la memoria se asocia a los objetos y los lugares. La ciudad es el “ locus ” de la memoria colectiva – Aldo Rossi
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El Premio MAD 2016 está dirigido a estudiantes y jóvenes profesionales de las carreras de Diseño Industrial y Arquitectura. El concurso propone el diseño de un mueble para el ámbito doméstico que contemple más de una función. Se sugieren algunas de las siguientes tipologías: silla, mesa, aparador, consola, biblioteca, sillón y escritorio, y no podrá superar las siguientes medidas: 1,50 m ancho x 2,00 m alto x 0,60 m de profundidad. Se excluye específicamente la tipología cama….
“Y el hecho es que nadie, hasta ahora, ha determinado lo que puede el cuerpo, es decir, a nadie ha enseñado la experiencia, hasta ahora, qué es lo que puede hacer el cuerpo en virtud de las solas leyes de su naturaleza, considerada como puramente corpórea, y qué es lo que no puede hacer salvo que el alma lo determine (…) Además, nadie sabe de qué modo ni con qué medios el alma mueve al cuerpo, ni cuántos grados de movimiento puede imprimirle, ni con qué rapidez puede moverlo. De donde se sigue que cuando los hombres dicen que tal o cual acción del cuerpo proviene del alma, por tener ésta imperio sobre el cuerpo, no saben lo que se dicen, y no hacen sino confesar, con palabras especiosas, su ignorancia…”Baruch Spinoza (1)
Varias veces habia pasado por Ground Zero en downtown Manhattan y veía de lejos World Trade Center Transportation Hub (WTC Transportation Hub), la primer obra de Calatrava en Nueva York. A pesar los de muchos recortes de presupuesto (originalmente tenía unas alas que se agitaban como el museo de Milwaukee) y la constante re-ingeniería de costos, la ciudad terminó gastando 4 mil millones de dolares (el doble de lo presupuestado inicialmente) y tardó en construirse mucho mas tiempo del planificado. Estos son valores y contratiempos que construyeron mucha opinión en el tiempo, sumó detractores y relegó muchas otras obras quizás hubieran sido mas productivas para la ciudad. (2)
Yo era muy escéptico respecto de la obra quizás porque me sumaba a las críticas. Pensé que le faltaba escala, que no podía verse todo de un vistazo, que era demasiado blanco, que era demasiado alto, que estaba demasiado cerca de los edificios vecinos. Pensé que los materiales iban a ser demasiado monolíticos, que los arcos no se iban a juntar nunca. Pensé que difícil era adaptarse a las variables, códigos y restricciones de Nueva York. Pensé que había pasado demasiado tiempo y que se había descontextualizado, que había perdido vigencia, que había perdido su lugar en el plan general y que no iba a poder reubicarse. Pensé que era un plato volador que se había asentado en la plaza de las piletas y que no iba a poder mimetizarse con el lugar, pensé, pensé…
El jueves pasado se abrió al público . . . El domingo era destino obligado. Si bien no se puede acceder desde sus entradas naturales que son el Memorial del 11/9 y el Fulton Center (una entrada a 9 líneas de subte) había una entrada posible desde el edificio Número Cuatro en el conjunto WTC (Arq. Fumihiko Maki). Después de una laberíntica serie de pasillos muy amplios que servirán de acceso al edificio, llegué al espacio central elíptico debajo del “Oculus” que es la plataforma central desde donde se conectan la calle, el Path y el Subway. Estas son dos líneas diferentes de subterráneos que se conectan con Hoboken (New Jersey) y con toda la isla de Manhattan, respectivamente. En un nivel intermedio entre la calle y esta plataforma hay un balcón que rodea todo el espacio y donde se alinean locales comerciales. Hay muchos lugares donde todavía no es posible acceder, pero es mas que suficiente lo que se ve para poder apreciar la calidad espacial en la que estoy.
Todo lo que había especulado, sensaciones y variantes se esfumó. Me equivoqué completamente. Desde los materiales, los colores, la luz, la estructura, las proporciones, las perspectivas, todo apunta a lo que creo que es un obra de arquitectura sin precedentes.
Calatrava trabaja siempre desde el cuerpo, siempre lo representa en alguna medida. Hace referencia constante al movimiento corporal y al funcionamiento orgánico. Muchas veces son solo algunas ideas muy simples como el edificio Torso o incluso el museo de Milwaukee. En algunas obras demasiada literalidad quizás pero con una complejidad y obsesión por el detalle admirables. Sus croquis y trabajos sobre el cuerpo muestran un dominio de la proporción y expresividad corporal notables. Me resultó conmovedor el trabajo que hay puesto en la materialidad de las costillas y en cada encuentro de materiales o piezas. El conjunto es blanco (como casi toda su obra) pero tiene una opacidad, y una textura muy particular que remite más a una estructura ósea que a algo estructural. No es solamente la pintura que recubre y protege del fuego estas cuadernas de doce toneladas, hay algo más, algo que tiene que ver más con el aspecto del yeso que recubre un brazo quebrado. Eso es, ese material que toma y se acomoda perfectamente al cuerpo para sostenerlo y cuidarlo, para mantenerlo erguido cuando no puede con su propia voluntad. Al ser opaco tiene una diferente lectura, es más etéreo, digamos volátil. Todo el tiempo se siente que estamos en presencia de algo orgánico, algo que en cualquier momento comienza a moverse.
Pero no es solo el material o su textura y color, sino también su forma que recuerda, y recrea, el cuerpo. En alguna medida lo reinventa, porque no existe un cuerpo con esa forma. No es una vértebra, pero cumple la función de la vértebra y parece una vértebra. No es una costilla, pero cumple la función de la costilla y parece una costilla. No es piel, pero es la piel de vidrio que cubre todo el exterior. Quizás está ahí, en el casi-ser… En el medio de parecer y ser de un cuerpo y por eso, es libre de cobijar poesía y abrir la imaginación. Estas costillas cuando llegan al piso lo esquivan, hacen un codo para volver hacia la pared conectándose como una articulación y terminar en una columna embebida en el muro que a su vez se pierde en el vidrio de los locales comerciales. Parecen infinitas porque se pierden en las claraboyas superiores (Oculus) y vuelven a reaparecer y proyectarse hacia el lado opuesto produciendo el esqueleto de las alas. Son también blancas y óseas. Así es como se pierde la noción de materialidad, se entiende que hay algo más que las sostiene, pierden sus doce toneladas para disiparse en algo etéreo y muy liviano. Durante la noche el proyecto se ilumina desde abajo hacia arriba, produciendo un efecto aún mas contrastante entre la oscuridad y la luz. Es interesante observar que Calatrava considera las costillas blancas como haces de luz que de noche se iluminan de forma que el día es la materialización de esa luz. Así el color blanco se sigue resignificando y se le pueden encontrar otros posibles niveles de lectura.
Cuando Calatrava presentó su proyecto en el Jardín de Invierno del WTC (2004), presentó un dibujo de un chico lanzando una paloma al aire (ver el final del video presentación del proyecto en la website del arquitecto en este link). Este gesto le valió el eufórico aplauso de todos los presentes. Pero más allá de lo que dijo, detrás de esas palabras se esconde el juego personal, el del Santiago Calatrava que pone su rol de jugar al servicio del proyecto y literalmente juega y representa todas estas ideas juntas:
Sí, el Oculus se abre como las manos del niño.
Sí, el blanco representa la paloma que a su vez representa la paz después de tanto odio.
Sí, la estructura simula una paloma o un ave en el momento de despegar del piso.
Sí, desde adentro vemos que esta estructura podría ser esa paloma.
Todo se conjuga en un sutil juego entre la poesía y las ideas propias y de todos para producir este icono que pertenece a la ciudad, que es público y lo podremos disfrutar cada vez que visitemos el Memorial.
Entonces lo que hizo Calatrava es un cuerpo, tiene su esqueleto y su piel, tiene movimiento y su propia estabilidad. Representa con mucha sutileza su naturaleza ósea y orgánica.
Entonces la cita de Spinoza es más concluyente. Nadie sabe de lo que es posible un cuerpo sin la presencia del alma… El WTC Transportation Hub tiene alma, es el alma que lo lleva a primer plano en espacios que conmueven, tiene el alma de los que murieron en el ataque de 11/9. Por esto y por todo lo que no puede traducirse en palabras y que quizás pueda verse en las fotos, es que creo que este es un ícono audaz y contemporáneo que puede con su propia alma, que será heredado por futuras generaciones que mirarán al pasado para comprender cuales son los elementos necesarios para emocionar, para entender cómo crear poesía y para generar un mensaje positivo después de padecer tanta violencia concentrada en un solo lugar.
Arq. Adrian Menichelli
[email protected]
La Plaza de los Amantes no es exactamente una plaza, sino el vacío causado por el bombardeo sobre la ciudad de Teruel durante la guerra civil española. Muchas veces, en años posteriores , se intentó transformar ese espacio en una plaza, con diversos grados de éxito, ya que a pesar de encontrarse en una zona céntrica y con la dominante presencia de la Torre de San Pedro, su consolidación no cuajaba.
En 2008 y después de varios intentos fallidos, se llevó adelante un concurso restringido cuyo resultado fue finalmente implementado por el estudio del arq. José Ignacio Linazasoro.
El estado desolador de la plaza, fruto del deterioro de una intervención de finales de los 70s, lo había transformado en un espacio marginal, con casi nula relación con el nivel superior de la calle Matías Abad donde se encuentran tanto el acceso a la torre como al Mausoleo de los Amantes.
El proyecto de esta plaza fue definido por tres elementos clásicos pero reinterpretados desde una mirada contemporánea: la fuente, la escalera y una terraza que los une.
La fuente forma parte del muro-basamento de la Torre de San Pedro, un monumento histórico de la ciudad, y se configura como una lámina de agua que desliza por una pared cerámica formada por piezas industriales cuya gama de colores se basa en los de la cerámica mudéjar y, en particular, en la existente en la misma torre. La textura del muro, de hormigón lavado compuesto de un árido rojizo, se relaciona con la textura rugosa del ladrillo de la torre expresando de ese modo su condición de basamento de la misma. Un banco corrido de travertino macizo y una potente albardilla del mismo material rematan el muro, cuya horizontalidad contrasta con la verticalidad de la torre y oculta la pendiente de la calle Matías Abad así como la puerta del acceso al Mausoleo que compite por su fuerte presencia con la propia torre.
La escalera tiene un carácter monumental pues se trata más bien de una escalinata de carácter urbano que se va ensanchando conforme va subiendo y gira en el arranque para acoger simbólicamente al público que sube desde el nivel inferior de la plaza. Para destacar este carácter monumental y al mismo tiempo reforzar su contemporaneidad, se apoya en una losa de hormigón sobre una viga de canto apoyada, a su vez, en dos puntos: el del arranque y un pilar en “V” que sirve también de soporte de la losa de la terraza. Esto permite transitar por debajo de la escalera ampliando el espacio de la plaza que fluye por debajo de la misma. Para reforzar su singularidad y su carácter urbano, se proyectó una balaustrada reinterpretada con misma mirada con que se proyectó la plaza.
Se ha buscado dotar al espacio de una cierta calidad y expresividad material que transmita solidez, por una parte, y cierto tono de intemporalidad, por otra, especialmente por tratarse de un espacio emblemático en el corazón de Teruel. Por este mismo motivo el tratamiento del espacio requería de una cierta fuerza expresiva que, además, reafirmara la importancia del lugar.
El hormigón visto y la piedra son los materiales básicos. El primero se realiza con encofrado de madera en la losa de la escalera y en el porche, mientras que el muro-basamento se trata en hormigón lavado con árido violáceo, cuya rugosidad armoniza con el ladrillo de la torre y contrasta con el revestimiento cerámico de la fuente. Se usaron dos tipos de piedras: la gris de Calatorao que se utiliza en los peldaños macizos de las escaleras, en las losas de piedra del suelo de la terraza y en el adoquinado del centro así como en el recinto ampliado de la calle Matías Abad. La otra es el travertino, con el que se realizaron los bancos, particularmente el banco macizo junto a la fuente, la albardilla que remata el muro-basamento y los balaustres de la escalera.
Lograr una adecuada iluminación ha sido un objetivo relevante en el proyecto de la plaza. Aunque se han respetado algunos elementos que iluminaban la antigua plaza como dos faroles antiguos que han sido remozados, la mayor parte de la iluminación se produce sin recurrir a farolas de luz directa y mediante sistemas ocultos bajo los peldaños y bancos, así como dentro del espacio de la fuente y entre las viguetas del porche. El objetivo era destacar por sí mismos los elementos principales de la plaza entre los cuales se encontraría también la torre, cuya iluminación se ha tratado y cuya silueta preside de noche la Plaza de los Amantes.
Arquitecto: José Ignacio Linazasoro
Ubicación: Plaza Amantes, 44001 Teruel, España
Superficie: 675.0 m2
Año de proyecto: 2014
Fotografía: Filippo Poli
Colaboradores: Sergi Artola Dols, Hugo Sebastián de Erice Navarrete, Ricardo Sánchez González
Estructuras: EUTECA, s.l.p.
El Museo del Prado ha publicado en el Boletín Oficial del Estado (España) la convocatoria del concurso internacional para la rehabilitación arquitectónica y adecuación museística del Salón de Reinos, parte integrante del desaparecido Palacio Real de Buen Retiro, y antigua sede del Museo del Ejército, que le fue adscrito formalmente el pasado mes de octubre de 2015.
El concurso tiene por objeto la selección de un equipo de arquitectura, a partir de la mejor propuesta arquitectónica presentada, que ha de permitir la rehabilitación del Salón de Reinos y ofrecer al Museo del Prado un espacio alternativo de exposición, de gran calidad, para la presentación de aspectos destacados de su colección y para el desarrollo de un programa específico de exposiciones sobre temas fundamentales de la historia y del Patrimonio Histórico Español.
La incorporación de este edificio al Campus del Museo del Prado, impulsada por los acuerdos del pacto parlamentario de 1995, es el principal objetivo de la ya cercana conmemoración del II Centenario del Museo del Prado, que se celebrará en 2019, y permitirá incrementar el espacio disponible para el museo en una superficie comprendida entre 4.300 y 5.800 m2 útiles.
Este procedimiento competitivo, dirigido a arquitectos y equipos de arquitectos tanto españoles como extranjeros, se desarrollará en dos fases. La primera de ellas, abierta, tiene como objetivo la selección de hasta ocho equipos a los que se les encargará la redacción de una propuesta a nivel de estudio previo, durante una segunda fase, de la que resultará ganador el equipo redactor de la mejor de estas propuestas.
El concurso contempla un primer premio al ganador, consistente en 48.400 € y el encargo de la redacción del proyecto, y primas de 36.300 € a cada uno de los concursantes finalistas. El importe previsto para los honorarios de redacción de proyecto y dirección facultativa de las obras es de 1.756.315 € (IVA incluido).
El concurso se desarrollará con intervención de jurado. Asimismo, los interesados en participar en el concurso podrán formalizar su inscripción hasta el 21 de abril de 2016.
Toda la información relativa a este concurso, puede ser consultada en la web del Museo Nacional del Prado, en su apartado Museo/Licitaciones.
El museo pone a disposición de los concursantes la siguiente dirección de correo electrónico, [email protected], a la que se pueden remitir dudas y consultas que serán respondidas en el mismo apartado Museo/Licitaciones de la página web.
Un local exclusivo de la firma de revestimientos Tarquini recientemente abrió sus puertas en el barrio de Colegiales, sobre Av. Córdoba 6448 –entre Olleros y Maure-.
Allí se exhibe la línea completa de revestimientos para paredes, así como también micropisos y demás productos de la marca, a través de una ambientación que permite tener una experiencia visual y táctil con los productos en escala real.
Emilio Méndez Paz –encargado del local- explica:
“La ambientación permite exhibir los productos de Tarquini experimentando una percepción a escala real. Los muros muestran el despliegue de los materiales para que el cliente tenga una sensación espacial, un contacto vivencial y táctil con los distintos productos. Nuestros clientes generalmente son arquitectos o consumidores finales, pueden así evaluar las múltiples posibilidades de color, textura, luces y sombras que permiten los revestimientos, en remplazo de las pinturas, una tendencia que crece en nuestro país. Ofrecemos también servicios de muestras de materiales, visitas a obras, asesorías, renders y fotomontajes, entre otros. Asimismo contamos con un servicio de aplicación de material para obras de más de 100 m2 con un equipo especializado, y contratación de llave en mano.”
El local Colegiales de Tarquini cuenta con un amplio alcance de distribución, llegando a toda la Capital Federal y Gran Buenos Aires, así como la posibilidad de hacer entregas en distintos puntos del país.
La inauguración de este local exclusivo se suma a otros distribuidores de Tarquini en Villa Urquiza, Nordelta y La Plata, lo que representa un eslabón importante dentro del objetivo de la firma de estar más cerca del público para brindarle nuevas posibilidades de colores, texturas y efectos, tanto para la decoración interior como exterior.
Más información aquí
La arquitecta francesa Odile Decq (60) es la ganadora de este premio que se otorga a mujeres arquitectas, y que es parte del Architectural Review´s anual Women in Architecture Awards, que busca reconocer sus contribuciones a esta disciplina. La arquitecta fue premiada por “su fuerza creativa, su espíritu irreverente con las normas establecidas y por su permanente búsqueda de la igualdad”.
Banque Populaire de l’Ouest in Rennes, 1990
Odile Decq es conocida por su audaz uso del color, especialmente rojo y negro, y sus potentes puntos de vista sobre educación e igualdad. Ella fundó su propio estudio en 1978 y recibió un León de Oro en la Bienal de Venecia de 1996.
En esta época comienza a atraer la atención internacional en los 90s con proyectos como el del Banco Popular del Oeste, en Rennes, que ahora es objeto de una campaña que lo salve de una posible demolición, la campaña Building in danger!
Fangshan Tangshan National Geopark Museum, 2014
Entre otras obras significativas podemos mencionar la extensión al Museo de Arte Contemporáneo de Roma, totalmente vidriada y que contiene un auditorio encerrado en una caparazón laqueada en rojo brillante. También una obra de reciente terminación, el Museo Nacional Fangshan Tangshan, en Nanjing, China, y la reciente renovación a todo color de la Maison Bernard, también conocida como la Casa Burbuja, una obra icónica de los 70s del arquitecto húngaro Antti Lovag.
Decq fue decana de la ESA (École Spéciale d’Architecture) de París, desde 2007 hasta 2012. Fue también docente de esa casa de estudios durante 20 años. A partir de 2014 dirige su propia escuela de arquitectura en Lyon, la “Confluence Institute for Innovation and Creative Strategies in Architecture”, como respuesta a la frustración que le produjo la falta de libertad para reformar la manera en que la disciplina se enseña en la universidad.
Según sus propias palabras Decq, todavía
“está en guerra…todavía hay tanto por lo que pelear…la arquitectura es una disciplina que requiere una capacidad de comprensión de los fenómenos culturales, sociológicos, económicos, políticos y éticos del mundo. Esto es lo que los estudiantes necesitan aprender porque, en el actual estado de crisis, tenemos que repensar el mundo”
Más información sobre Odile Decq aquí.
Entre 1600 y 1691 la caza de brujas dejó 91 víctimas, la mayoría mujeres, en el pequeño pueblo noruego de Vardø, situado al noreste de la península escandinava, por encima del Círculo Polar Ártico. Un sitio de por sí inquietante, iluminado por el sol de medianoche. Una pequeña comunidad pesquera, que quedó desgarrada por este hecho, documentado en numerosos textos sobrevivientes.
Para conmemorar estas muertes distantes en el tiempo, y convocados por el gobierno noruego, que buscaba generar una atracción turística en la zona, el arquitecto Peter Zumthor y la artista Louise Bourgeois aunaron fuerzas para crear Steilneset , un monumento doble situado en el lugar de las ejecuciones. El proyecto se encuadró en el programa nacional de generación de rutas turísticas de Noruega, una iniciativa que busca inyectar nueva vida a poblaciones que debido a la globalización han visto declinar sus fuentes de trabajo tradicionales.
Las peculiaridades del paisaje (una inmensa costa desnuda de árboles) y de un clima extremo en el que las temperaturas rara vez superan los diez grados centígrados, dialogan con una arquitectura austera que materializa, empleando madera, cristal, acero y fibra de vidrio, la tragedia de las víctimas.
El centro de información, el pabellón íntegramente diseñado por Zumthor, domina el lugar y consiste en un armazón de 125 metros de largo compuesto por una estructura de 60 pórticos de madera que suspenden mediante cables una estructura de fibra de vidrio recubierta de teflón y techada con aluminio corrugado, de colores claros en su exterior pero sombría en su interior.
El edificio se inspira en la forma que tenían los bastidores de madera que los pescadores locales utilizaban para secar la pesca del día.
Una pasarela de madera conduce al interior del edificio, en donde un pasillo de 100 metros de largo y 1,5 de ancho acoge una colección de carteles que describen la historia personal de las 91 víctimas.
Asimismo, cada uno de los difuntos ha sido representado por una pequeña ventana iluminada con una bombilla. Zumthor decidió su ubicación lanzando un dado, un procedimiento aleatorio que quiso reflejar poéticamente la arbitrariedad de los juicios. Las vistas y sentido de lo exterior están estrictamente mediadas.
El segundo edificio, un cubo de acero corten y cristal negro, cobija la obra de Louise Bourgeois: “Los condenados, los poseídos y los amados”. La instalación contiene en el centro del cubo una silla de aluminio de la que surgen cinco llamaradas de fuego, que se reflejan en los siete espejos ovalados que se sitúan alrededor del asiento. La estructura está abierta a los elementos externos, dejando pasar los fríos vientos del norte, generando una cualidad atmosférica muy específica del lugar.
La creación busca simbolizar los juicios de Vardø y se enmarca dentro de la reivindicación feminista que recorre gran parte de la obra de Bourgeois. La obra fue uno de los últimos proyectos de la artista francesa, que falleció en 2010.
“Hay una línea, que es mía, y un punto, que es suyo”, dijo Zumthor, al hablar del proceso creativo. “La instalación de Louise [Bourgeois] trata más sobre la quema y la agresión, mientras que mi instalación habla sobre la vida y las emociones [de las víctimas]”.
Por sus cualidades propias, por el paisaje maravilloso y por cierta mística que también envuelve a otras obras de Zumthor (y de Louise) Steilneset tiende a convertirse en un sitio de peregrinación desde su apertura en 2011.
Una iniciativa de reactivación de áreas rurales desplazadas por medio de construcción de rutas turísticas, mediante la recuperación de las, muchas veces terribles, historias locales y una efectiva operación quirúrgica surgida de la conjunción de dos talentos en un marco natural de una inherente y rara belleza.
Fotografías: Bjarne Riesto
La nueva Filarmónica de Szczecin proyectada por Estudio Barozzi / Veiga se erige como un ícono cultural y arquitectónico, y fue merecedor del premio de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea Mies van der Rohe 2015. Muchos productos de Knauf fueron utilizaron para el interior, incluyendo paneles de revestimiento y sistemas de piso y techo para construcciones drylining únicas….
