Hace 40 años se gestaría un momento clave en el desarrollo del museo como contenedor. La tradición de la caja, esta idea primigenia de gabinete de coleccionista eclosionaría en este edificio, el Centro Cultural Pompidou
Hace 40 años, el 31 de enero de 1977 fue inaugurado el Centro Cultural Pompidou en el barrio parisino de Les Halles por el presidente de la República Francesa Valéry Giscard d´Estaing, pero lleva el nombre del anterior presidente Georges Pompidou, verdadero promotor del proyecto.
Ese fue un momento clave para la producción de este concurso porque el programa del museo como institución estaba en proceso de transformación, se evidenciaba el rol crucial de estos edificios en las sociedades contemporáneas, las grandes máquinas culturales activas participantes del mercado.
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El arquitecto portugués Eduardo Souto de Mora es el flamante ganador del Premio Iberoamericano de Arquitectura y Urbanismo, otorgado por la X Bienal Iberoamericana de Arquitectura y Urbanismo, cuyo tema este año fue Desplazamientos/ Deslocamientos.
El Jurado, presidido por Francisco Mangado, justificó esta decisión por el extenso reconocimiento de su obra y la importante aportación de su magisterio en universidades de diversos países. Souto de Moura“establece enriquecedoras y novedosas relaciones entre las distintas escalas, lugares y momentos en los que la arquitectura tiene que desarrollarse, experimentando con materiales y estructuras, que se expresan a través de un lenguaje pleno de emoción” en palabras del jurado.
Estadio de Braga, Braga, Portugal, 2004
Eduardo Souto de Moura se licenció en arquitectura en la Escola Superior de Belas Artes de Oporto en 1980, donde fue profesor de 1981 a 1991. Ha sido profesor invitado en las universidades de París-Belville, Harvard, Dublín, Navarra, Zurich y Lausana. Tras la colaboración en el estudio de Álvaro Siza entre 1974 y 1979 estableció su propio despacho profesional en Oporto en 1980. En el año 2011 fue galardonado con el prestigioso Premio Pritzker de arquitectura, y en 2013 el Premio Wolf de las Artes. Su trabajo está estrechamente vínculado al de los también portugueses Álvaro Siza y Fernando Távora, quienes fueron sus mentores.
Windows, Biennale 2012 Venecia
Según el jurado del Premio Pritzker año 2011: “En su aparente simplicidad formal, los edificios de Souto de Moura entretejen referencias complejas a las características de la región, el paisaje, el sitio y la historia arquitectónica más amplia. A menudo sus geometrías simples están subrayadas través de la interacción de la luz, lo sólido, lo vacío y la sombra. Souto de Moura ha creado espacios que son a la vez coherentes con su historia como modernos en su concepción. La eficacia de sus obras en general se deriva de la yuxtaposición de elementos y conceptos. Su capacidad única para abrazar la realidad, mientras emplea la abstracción, crea un lenguaje arquitectónico que transforma lo físico en algo metafísico.”
Casa das Historias Paula Rego, Portugal 2009
Como principales rasgos de su arquitectura destacan el rigor y la precisión en las formas, así como una profunda sensibilidad hacia el contexto. Al igual que otros arquitectos portugueses, Souto de Moura se preocupa mucho por el entorno físico que rodea a sus obras, así como los detalles y la selección de los materiales, conjugando muy bien al hormigón, piedra, madera y aluminio. Se le suele considerar como un representante del regionalismo crítico.
La arquitectura de Souto de Moura ha evolucionado desde un comienzo condicionado esencialmente por el Minimalismo y la figura de Mies van der Rohe (“la arquitectura de la precisión, de la búsqueda de la perfección en la sucesiva depuración de unos elementos y argumentos constantes”) hacia una práctica arquitectónica con un lenguaje más personal que comparte la interpretación de las necesidades del lugar con la búsqueda de la precisión como una constante. Pero no hay una ruptura sino una reinterpretación de los elementos que ya estaban en el comienzo.
En el Holcim Forum sobre arquitectura sostenible Souto de Moura declaró: “Para mí, la arquitectura es un problema mundial. No hay arquitectura ecológica, no hay arquitectura inteligente, no hay arquitectura sostenible – sólo hay buena arquitectura. Siempre hay problemas que no debemos descuidar, por ejemplo, energía, recursos, presupuestos, aspectos sociales – siempre hay que prestar atención a todos ellos”.
“Y el hecho es que nadie, hasta ahora, ha determinado lo que puede el cuerpo, es decir, a nadie ha enseñado la experiencia, hasta ahora, qué es lo que puede hacer el cuerpo en virtud de las solas leyes de su naturaleza, considerada como puramente corpórea, y qué es lo que no puede hacer salvo que el alma lo determine (…) Además, nadie sabe de qué modo ni con qué medios el alma mueve al cuerpo, ni cuántos grados de movimiento puede imprimirle, ni con qué rapidez puede moverlo. De donde se sigue que cuando los hombres dicen que tal o cual acción del cuerpo proviene del alma, por tener ésta imperio sobre el cuerpo, no saben lo que se dicen, y no hacen sino confesar, con palabras especiosas, su ignorancia…”Baruch Spinoza (1)
Varias veces habia pasado por Ground Zero en downtown Manhattan y veía de lejos World Trade Center Transportation Hub (WTC Transportation Hub), la primer obra de Calatrava en Nueva York. A pesar los de muchos recortes de presupuesto (originalmente tenía unas alas que se agitaban como el museo de Milwaukee) y la constante re-ingeniería de costos, la ciudad terminó gastando 4 mil millones de dolares (el doble de lo presupuestado inicialmente) y tardó en construirse mucho mas tiempo del planificado. Estos son valores y contratiempos que construyeron mucha opinión en el tiempo, sumó detractores y relegó muchas otras obras quizás hubieran sido mas productivas para la ciudad. (2) Yo era muy escéptico respecto de la obra quizás porque me sumaba a las críticas. Pensé que le faltaba escala, que no podía verse todo de un vistazo, que era demasiado blanco, que era demasiado alto, que estaba demasiado cerca de los edificios vecinos. Pensé que los materiales iban a ser demasiado monolíticos, que los arcos no se iban a juntar nunca. Pensé que difícil era adaptarse a las variables, códigos y restricciones de Nueva York. Pensé que había pasado demasiado tiempo y que se había descontextualizado, que había perdido vigencia, que había perdido su lugar en el plan general y que no iba a poder reubicarse. Pensé que era un plato volador que se había asentado en la plaza de las piletas y que no iba a poder mimetizarse con el lugar, pensé, pensé… El jueves pasado se abrió al público . . . El domingo era destino obligado. Si bien no se puede acceder desde sus entradas naturales que son el Memorial del 11/9 y el Fulton Center (una entrada a 9 líneas de subte) había una entrada posible desde el edificio Número Cuatro en el conjunto WTC (Arq. Fumihiko Maki). Después de una laberíntica serie de pasillos muy amplios que servirán de acceso al edificio, llegué al espacio central elíptico debajo del “Oculus” que es la plataforma central desde donde se conectan la calle, el Path y el Subway. Estas son dos líneas diferentes de subterráneos que se conectan con Hoboken (New Jersey) y con toda la isla de Manhattan, respectivamente. En un nivel intermedio entre la calle y esta plataforma hay un balcón que rodea todo el espacio y donde se alinean locales comerciales. Hay muchos lugares donde todavía no es posible acceder, pero es mas que suficiente lo que se ve para poder apreciar la calidad espacial en la que estoy. Todo lo que había especulado, sensaciones y variantes se esfumó. Me equivoqué completamente. Desde los materiales, los colores, la luz, la estructura, las proporciones, las perspectivas, todo apunta a lo que creo que es un obra de arquitectura sin precedentes. Calatrava trabaja siempre desde el cuerpo, siempre lo representa en alguna medida. Hace referencia constante al movimiento corporal y al funcionamiento orgánico. Muchas veces son solo algunas ideas muy simples como el edificio Torso o incluso el museo de Milwaukee. En algunas obras demasiada literalidad quizás pero con una complejidad y obsesión por el detalle admirables. Sus croquis y trabajos sobre el cuerpo muestran un dominio de la proporción y expresividad corporal notables. Me resultó conmovedor el trabajo que hay puesto en la materialidad de las costillas y en cada encuentro de materiales o piezas. El conjunto es blanco (como casi toda su obra) pero tiene una opacidad, y una textura muy particular que remite más a una estructura ósea que a algo estructural. No es solamente la pintura que recubre y protege del fuego estas cuadernas de doce toneladas, hay algo más, algo que tiene que ver más con el aspecto del yeso que recubre un brazo quebrado. Eso es, ese material que toma y se acomoda perfectamente al cuerpo para sostenerlo y cuidarlo, para mantenerlo erguido cuando no puede con su propia voluntad. Al ser opaco tiene una diferente lectura, es más etéreo, digamos volátil. Todo el tiempo se siente que estamos en presencia de algo orgánico, algo que en cualquier momento comienza a moverse. Pero no es solo el material o su textura y color, sino también su forma que recuerda, y recrea, el cuerpo. En alguna medida lo reinventa, porque no existe un cuerpo con esa forma. No es una vértebra, pero cumple la función de la vértebra y parece una vértebra. No es una costilla, pero cumple la función de la costilla y parece una costilla. No es piel, pero es la piel de vidrio que cubre todo el exterior. Quizás está ahí, en el casi-ser… En el medio de parecer y ser de un cuerpo y por eso, es libre de cobijar poesía y abrir la imaginación. Estas costillas cuando llegan al piso lo esquivan, hacen un codo para volver hacia la pared conectándose como una articulación y terminar en una columna embebida en el muro que a su vez se pierde en el vidrio de los locales comerciales. Parecen infinitas porque se pierden en las claraboyas superiores (Oculus) y vuelven a reaparecer y proyectarse hacia el lado opuesto produciendo el esqueleto de las alas. Son también blancas y óseas. Así es como se pierde la noción de materialidad, se entiende que hay algo más que las sostiene, pierden sus doce toneladas para disiparse en algo etéreo y muy liviano. Durante la noche el proyecto se ilumina desde abajo hacia arriba, produciendo un efecto aún mas contrastante entre la oscuridad y la luz. Es interesante observar que Calatrava considera las costillas blancas como haces de luz que de noche se iluminan de forma que el día es la materialización de esa luz. Así el color blanco se sigue resignificando y se le pueden encontrar otros posibles niveles de lectura. Cuando Calatrava presentó su proyecto en el Jardín de Invierno del WTC (2004), presentó un dibujo de un chico lanzando una paloma al aire (ver el final del video presentación del proyecto en la website del arquitecto en este link). Este gesto le valió el eufórico aplauso de todos los presentes. Pero más allá de lo que dijo, detrás de esas palabras se esconde el juego personal, el del Santiago Calatrava que pone su rol de jugar al servicio del proyecto y literalmente juega y representa todas estas ideas juntas: Sí, el Oculus se abre como las manos del niño. Sí, el blanco representa la paloma que a su vez representa la paz después de tanto odio. Sí, la estructura simula una paloma o un ave en el momento de despegar del piso. Sí, desde adentro vemos que esta estructura podría ser esa paloma. Todo se conjuga en un sutil juego entre la poesía y las ideas propias y de todos para producir este icono que pertenece a la ciudad, que es público y lo podremos disfrutar cada vez que visitemos el Memorial. Entonces lo que hizo Calatrava es un cuerpo, tiene su esqueleto y su piel, tiene movimiento y su propia estabilidad. Representa con mucha sutileza su naturaleza ósea y orgánica.
Entonces la cita de Spinoza es más concluyente. Nadie sabe de lo que es posible un cuerpo sin la presencia del alma… El WTC Transportation Hub tiene alma, es el alma que lo lleva a primer plano en espacios que conmueven, tiene el alma de los que murieron en el ataque de 11/9. Por esto y por todo lo que no puede traducirse en palabras y que quizás pueda verse en las fotos, es que creo que este es un ícono audaz y contemporáneo que puede con su propia alma, que será heredado por futuras generaciones que mirarán al pasado para comprender cuales son los elementos necesarios para emocionar, para entender cómo crear poesía y para generar un mensaje positivo después de padecer tanta violencia concentrada en un solo lugar.
Arq. Adrian Menichelli amenichel@hotmail.com
Baruch Spinoza – ETICA, parte III, proposición II, escolio.
Recomiendo dos artículos que pueden ampliar y describir mejor la situacion: New York Times y en la revista on line Architecture este último compara las preferencias de la administración de la ciudad (Karrie Jacobs)
La Plaza de los Amantes no es exactamente una plaza, sino el vacío causado por el bombardeo sobre la ciudad de Teruel durante la guerra civil española. Muchas veces, en años posteriores , se intentó transformar ese espacio en una plaza, con diversos grados de éxito, ya que a pesar de encontrarse en una zona céntrica y con la dominante presencia de la Torre de San Pedro, su consolidación no cuajaba.
En 2008 y después de varios intentos fallidos, se llevó adelante un concurso restringido cuyo resultado fue finalmente implementado por el estudio del arq. José Ignacio Linazasoro.
El estado desolador de la plaza, fruto del deterioro de una intervención de finales de los 70s, lo había transformado en un espacio marginal, con casi nula relación con el nivel superior de la calle Matías Abad donde se encuentran tanto el acceso a la torre como al Mausoleo de los Amantes.
El proyecto de esta plaza fue definido por tres elementos clásicos pero reinterpretados desde una mirada contemporánea: la fuente, la escalera y una terraza que los une.
La fuente forma parte del muro-basamento de la Torre de San Pedro, un monumento histórico de la ciudad, y se configura como una lámina de agua que desliza por una pared cerámica formada por piezas industriales cuya gama de colores se basa en los de la cerámica mudéjar y, en particular, en la existente en la misma torre. La textura del muro, de hormigón lavado compuesto de un árido rojizo, se relaciona con la textura rugosa del ladrillo de la torre expresando de ese modo su condición de basamento de la misma. Un banco corrido de travertino macizo y una potente albardilla del mismo material rematan el muro, cuya horizontalidad contrasta con la verticalidad de la torre y oculta la pendiente de la calle Matías Abad así como la puerta del acceso al Mausoleo que compite por su fuerte presencia con la propia torre.
La escalera tiene un carácter monumental pues se trata más bien de una escalinata de carácter urbano que se va ensanchando conforme va subiendo y gira en el arranque para acoger simbólicamente al público que sube desde el nivel inferior de la plaza. Para destacar este carácter monumental y al mismo tiempo reforzar su contemporaneidad, se apoya en una losa de hormigón sobre una viga de canto apoyada, a su vez, en dos puntos: el del arranque y un pilar en “V” que sirve también de soporte de la losa de la terraza. Esto permite transitar por debajo de la escalera ampliando el espacio de la plaza que fluye por debajo de la misma. Para reforzar su singularidad y su carácter urbano, se proyectó una balaustrada reinterpretada con misma mirada con que se proyectó la plaza.
Se ha buscado dotar al espacio de una cierta calidad y expresividad material que transmita solidez, por una parte, y cierto tono de intemporalidad, por otra, especialmente por tratarse de un espacio emblemático en el corazón de Teruel. Por este mismo motivo el tratamiento del espacio requería de una cierta fuerza expresiva que, además, reafirmara la importancia del lugar.
El hormigón visto y la piedra son los materiales básicos. El primero se realiza con encofrado de madera en la losa de la escalera y en el porche, mientras que el muro-basamento se trata en hormigón lavado con árido violáceo, cuya rugosidad armoniza con el ladrillo de la torre y contrasta con el revestimiento cerámico de la fuente. Se usaron dos tipos de piedras: la gris de Calatorao que se utiliza en los peldaños macizos de las escaleras, en las losas de piedra del suelo de la terraza y en el adoquinado del centro así como en el recinto ampliado de la calle Matías Abad. La otra es el travertino, con el que se realizaron los bancos, particularmente el banco macizo junto a la fuente, la albardilla que remata el muro-basamento y los balaustres de la escalera.
Lograr una adecuada iluminación ha sido un objetivo relevante en el proyecto de la plaza. Aunque se han respetado algunos elementos que iluminaban la antigua plaza como dos faroles antiguos que han sido remozados, la mayor parte de la iluminación se produce sin recurrir a farolas de luz directa y mediante sistemas ocultos bajo los peldaños y bancos, así como dentro del espacio de la fuente y entre las viguetas del porche. El objetivo era destacar por sí mismos los elementos principales de la plaza entre los cuales se encontraría también la torre, cuya iluminación se ha tratado y cuya silueta preside de noche la Plaza de los Amantes. Arquitecto: José Ignacio Linazasoro Ubicación: Plaza Amantes, 44001 Teruel, España Superficie: 675.0 m2 Año de proyecto: 2014 Fotografía: Filippo Poli Colaboradores: Sergi Artola Dols, Hugo Sebastián de Erice Navarrete, Ricardo Sánchez González Estructuras: EUTECA, s.l.p.
La arquitecta francesa Odile Decq (60) es la ganadora de este premio que se otorga a mujeres arquitectas, y que es parte del Architectural Review´s anual Women in Architecture Awards, que busca reconocer sus contribuciones a esta disciplina. La arquitecta fue premiada por “su fuerza creativa, su espíritu irreverente con las normas establecidas y por su permanente búsqueda de la igualdad”.
Banque Populaire de l’Ouest in Rennes, 1990
Odile Decq es conocida por su audaz uso del color, especialmente rojo y negro, y sus potentes puntos de vista sobre educación e igualdad. Ella fundó su propio estudio en 1978 y recibió un León de Oro en la Bienal de Venecia de 1996.
En esta época comienza a atraer la atención internacional en los 90s con proyectos como el del Banco Popular del Oeste, en Rennes, que ahora es objeto de una campaña que lo salve de una posible demolición, la campaña Building in danger!
Fangshan Tangshan National Geopark Museum, 2014
Entre otras obras significativas podemos mencionar la extensión al Museo de Arte Contemporáneo de Roma, totalmente vidriada y que contiene un auditorio encerrado en una caparazón laqueada en rojo brillante. También una obra de reciente terminación, el Museo Nacional Fangshan Tangshan, en Nanjing, China, y la reciente renovación a todo color de la Maison Bernard, también conocida como la Casa Burbuja, una obra icónica de los 70s del arquitecto húngaro Antti Lovag.
Decq fue decana de la ESA (École Spéciale d’Architecture) de París, desde 2007 hasta 2012. Fue también docente de esa casa de estudios durante 20 años. A partir de 2014 dirige su propia escuela de arquitectura en Lyon, la “Confluence Institute for Innovation and Creative Strategies in Architecture”, como respuesta a la frustración que le produjo la falta de libertad para reformar la manera en que la disciplina se enseña en la universidad.
Según sus propias palabras Decq, todavía
“está en guerra…todavía hay tanto por lo que pelear…la arquitectura es una disciplina que requiere una capacidad de comprensión de los fenómenos culturales, sociológicos, económicos, políticos y éticos del mundo. Esto es lo que los estudiantes necesitan aprender porque, en el actual estado de crisis, tenemos que repensar el mundo”
Entre 1600 y 1691 la caza de brujas dejó 91 víctimas, la mayoría mujeres, en el pequeño pueblo noruego de Vardø, situado al noreste de la península escandinava, por encima del Círculo Polar Ártico. Un sitio de por sí inquietante, iluminado por el sol de medianoche. Una pequeña comunidad pesquera, que quedó desgarrada por este hecho, documentado en numerosos textos sobrevivientes.
Para conmemorar estas muertes distantes en el tiempo, y convocados por el gobierno noruego, que buscaba generar una atracción turística en la zona, el arquitecto Peter Zumthor y la artista Louise Bourgeois aunaron fuerzas para crear Steilneset , un monumento doble situado en el lugar de las ejecuciones. El proyecto se encuadró en el programa nacional de generación de rutas turísticas de Noruega, una iniciativa que busca inyectar nueva vida a poblaciones que debido a la globalización han visto declinar sus fuentes de trabajo tradicionales.
Las peculiaridades del paisaje (una inmensa costa desnuda de árboles) y de un clima extremo en el que las temperaturas rara vez superan los diez grados centígrados, dialogan con una arquitectura austera que materializa, empleando madera, cristal, acero y fibra de vidrio, la tragedia de las víctimas. El centro de información, el pabellón íntegramente diseñado por Zumthor, domina el lugar y consiste en un armazón de 125 metros de largo compuesto por una estructura de 60 pórticos de madera que suspenden mediante cables una estructura de fibra de vidrio recubierta de teflón y techada con aluminio corrugado, de colores claros en su exterior pero sombría en su interior.
El edificio se inspira en la forma que tenían los bastidores de madera que los pescadores locales utilizaban para secar la pesca del día.
Una pasarela de madera conduce al interior del edificio, en donde un pasillo de 100 metros de largo y 1,5 de ancho acoge una colección de carteles que describen la historia personal de las 91 víctimas.
Asimismo, cada uno de los difuntos ha sido representado por una pequeña ventana iluminada con una bombilla. Zumthor decidió su ubicación lanzando un dado, un procedimiento aleatorio que quiso reflejar poéticamente la arbitrariedad de los juicios. Las vistas y sentido de lo exterior están estrictamente mediadas.
El segundo edificio, un cubo de acero corten y cristal negro, cobija la obra de Louise Bourgeois: “Los condenados, los poseídos y los amados”. La instalación contiene en el centro del cubo una silla de aluminio de la que surgen cinco llamaradas de fuego, que se reflejan en los siete espejos ovalados que se sitúan alrededor del asiento. La estructura está abierta a los elementos externos, dejando pasar los fríos vientos del norte, generando una cualidad atmosférica muy específica del lugar.
La creación busca simbolizar los juicios de Vardø y se enmarca dentro de la reivindicación feminista que recorre gran parte de la obra de Bourgeois. La obra fue uno de los últimos proyectos de la artista francesa, que falleció en 2010.
“Hay una línea, que es mía, y un punto, que es suyo”, dijo Zumthor, al hablar del proceso creativo. “La instalación de Louise [Bourgeois] trata más sobre la quema y la agresión, mientras que mi instalación habla sobre la vida y las emociones [de las víctimas]”.
Por sus cualidades propias, por el paisaje maravilloso y por cierta mística que también envuelve a otras obras de Zumthor (y de Louise) Steilneset tiende a convertirse en un sitio de peregrinación desde su apertura en 2011.
Una iniciativa de reactivación de áreas rurales desplazadas por medio de construcción de rutas turísticas, mediante la recuperación de las, muchas veces terribles, historias locales y una efectiva operación quirúrgica surgida de la conjunción de dos talentos en un marco natural de una inherente y rara belleza.
Fotografías: Bjarne Riesto
La nueva Filarmónica de Szczecin proyectada por Estudio Barozzi / Veiga se erige como un ícono cultural y arquitectónico, y fue merecedor del premio de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea Mies van der Rohe 2015. Muchos productos de Knauf fueron utilizaron para el interior, incluyendo paneles de revestimiento y sistemas de piso y techo para construcciones drylining únicas….
Proyecto Aura fue desarrollado por el equipo Hiscali (jóvenes arquitectos de la Universidad de Sevilla (España) y estudiantes de Ingeniería de la Universidad de Santiago de Cali (Colombia) como propuesta para la primera versión latinoamericana del Decatlón Solar 2015, donde ganó el tercer premio.
El equipo Híscali lanza una apuesta por la gestión alternativa y sustentable de la habitación humana y sus diferentes espacios, para lograr cohesión social en todas las escalas (social, urbana, territorial). Para esto plantea una serie de estrategias guiadas por la autoconstrucción, el diseño a largo plazo y la flexibilidad que multiplican las posibilidades de actuación de la vivienda, incluso en los sectores de bajos recursos.
El proyecto contempla el estudio de tradiciones latino-mediterráneas, reformulando los conceptos que acarrean y buscando relacionar esas dos tradiciones: las latinoamericanas y las mediterráneas como dos caras de una misma moneda. Como síntesis de esa búsqueda, el equipo desarrolla el concepto de “gayola”, según sus propias palabras “malla espacio-temporal como ley que regula el crecimiento y la agregación de las células habitacionales, los edificios, las manzanas o cualesquiera sean las unidades en cuestión, en función de a qué escala se esté trabajando… a nivel edificio esta malla se compone de elementos horizontales – forjados – elementos verticales – pantallas – y otros elementos estructurantes tales como las conducciones de instalaciones, que alojarán también núcleos húmedos de las viviendas. En un estadio cero, la gayola se presenta semivacía, con el equipamiento básico, lista para comenzar su proceso de ocupación… la referencia a la ‘gayola’ se concibe también como un elemento de ida y vuelta entre la realidad de Latinoamérica y la europea en general y española en particular, en alusión a los ‘elefantes blancos’, edificios inacabados, generalmente en fase de estructura, existentes por motivos de la crisis, que se encuentran a la espera de su re-utilización o finalización.”
Maqueta de prototipo de unidad habitacional
Proyecto Aura preveé la construcción de estas gayolas, como elementos de ocupación del territorio y la escala, que acumulan en su interior las facilidades técnicas y estructurales necesarias para un habitar mínimo; habitar que recogiendo las estrategias de autoconstrucción fuertemente enraizadas en nuestra cultura latinoamericana, especial aunque no únicamente en sus clases trabajadoras, puede crecer fácilmente utilizando paneles modulares prefabricados. De esta manera las familias pueden acceder progresivamente a formas más optimizadas de ocupación de sus lotes. El proyecto va de la tierra a la urbanización, del vecindario al edificio.
Espacios transicionales
Con el objetivo de reducir el calor y la humedad pasivamente, la ventilación cruzada de la vivienda es un objetivo central para incrementar el confort térmico, que fragmenta el concepto tradicional de urbanización compacta y genera espacios transicionales que crean nuevos usos (y porque no, recuperan viejas tradiciones). Este “colchón” de separación entre viviendas cumple la función de terraza-zaguán-patio. Es un espacio exterior que se da a cada vivienda, cubierto pero abierto, alejado de la radiación directa del sol. Para reducir la absorción de calor, se propone asimismo el uso de aleros y contraventas que generan espacios en sombra que permiten la ampliación de cada vivienda si es necesario por el crecimiento de la familia, y el desarrollo de actividades al aire libre. Un espacio vividero, posiblemente de fuerte presencia vegetal, propio de la cultura latina, mediterránea.
“(…) hacía una siesta de diez minutos sentado en la terraza del patio, oyendo en sueños las canciones de las sirvientas bajo la fronda de los mangos (…)”
El amor en los tiempos del cólera. Gabriel García Márquez
“Mi infancia son recuerdos de un patio de Sevilla, y un huerto claro donde madura el limonero; (…)
Campos de Castilla (Cap. 1. Retrato). Antonio Machado
El Proyecto Aura no propone un prototipo cerrado de vivienda, sino un sistema flexible de apropiación del espacio a partir de parámetros sociales y medioambientales. Por este motivo, sería posible, mediante un estudio previo de cada situación concreta y una adaptación a la realidad de cada lugar, transformar este sistema para su implementación, tanto en regiones tropicales de América Latina como para la rehabilitación de viviendas energéticamente obsoletas en España.
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” Una criatura que se esconde y se encierra en su coraza, está preparando una “salida”. Esto es cierto de toda la escala de metáforas, desde la resurrección de un hombre en su tumba, a la repentina explosión de uno que tiene mucho estado en silencio. Si permanecemos en el centro de la imagen en cuestión, tenemos la impresión de que, al quedarse en la inmovilidad de su coraza, la criatura está preparando explosiones temporales, por no decir torbellinos, de ser ” . – Gaston Bachelard , La poética del espacio
Hopper pinta la soledad . . . . el escenario lo hace Tadao Ando. Hopper es capaz de darle imagen a la soledad. Esa imagen está representada en el existencialismo de los personajes de sus cuadros. Es esta gente que está sola en el mundo, como todos lo estamos desde ese punto de vista, solos frente a la vida, solos frente a nuestras limitaciones, a nuestras angustias. Pero Hopper toma ese lado oscuro de nuestra vida y la pone a la vista, en tensión, con los escenarios más cotidianos posibles, en las maquetas donde nuestras vidas transcurren. Así esos espacios impersonales se llenan de nosotros porque son lugares familiares, cotidianos y se completan con nuestra abstracción y por lo tanto se vuelven todavía más familiares, más cercanos y cotidianos. Asi es como sus pinturas llegan a través de nuestros ojos a nuestra más profunda y angustiante pregunta ontológica. Es en este punto donde Hopper se acerca a Tadao Ando. Abocado en su noble tarea de encontrar estos lugares y mostrarnos sus interiores ya no físicos sino espirituales, es donde toca las mismas notas que Tadao Ando. Entonces somos nosotros frente a lo que no sabemos, frente a lo que todavía ignoramos, lo que todavía está por preguntarse y no podemos siquiera adivinar esa pregunta. La escena es el momento preciso en que nuestra pregunta está por salir y sería diferente antes o después de ese tiempo sin tiempo. En este encontrarse con uno mismo, Hopper pone su poesía del mismo modo que Tadao Ando pone su arquitectura. Sus espacios están mostrando el vacío que nos abisma, nos ofrece solo un esqueleto listo para ser tomado, ocupado. Tadao Ando ha dedicado su obra a dominar los materiales que utilizamos todos los arquitectos, pero en forma tal que logra, más que una integración, una convivencia y una armonía pocas veces logradas por otros. Hay que entender que la obra no son solo los materiales que utiliza, sino los espacios que genera. La expresividad, el despojo y la simplicidad cargan de poesía a esos mismos materiales, significando y resignificando al mismo tiempo el valor del encierro, la introspección, la coraza que declara Bachelard. Sus espacios son entonces estructuras donde nuestras dilaciones pueden ser volcadas. Incluso cuando se expresa con palabras, habla de conceptualizaciones y de como comprender los elementos que componen sus obras. En general va a tratar de referirse a la naturaleza y el hombre como gran encuentro que produce tensiones que enriquecen el espacio y sacuden el alma (1). “Mis espacios nacen no de una operación intelectual, sino de emociones arraigadas en los deseos de mucha gente . . . mis espacios trascienden la teoría y claman por los más profundos niveles espirituales. En otras palabras mis espacios se relacionan con fundamentales aspectos de la humanidad” (2). Tadao Ando construirá su primer obra en New York. El proyecto estará ubicado en Elizabeth Street Nro 152 , un área llamada Nolita (North Little Italy) en Manhattan, una zona densamente comercial, estratégicamente ubicada cerca de todo en NY (ver plano). Aquí también va a utilizar sus materiales: hormigón, acero y vidrio para delimitar un espacio de silencio en medio de la ciudad. Un hiato que permitirá a sus habitantes encontrarse con ellos en la profundidad de sus preguntas. Sus plantas son realmente muy simples y racionales. Los interiores que se ven en las imágenes apelan a la simplicidad más que a la ornamentación. El volumen del edificio reconstruye la esquina con cada losa que termina en un perfil metálico. Sobre ellos se asientan las carpinterías de perfiles muy delgados. El resto del edificio es hormigón expuesto con la retícula de los separadores del encofrado que le otorgan al conjunto la típica grilla que vemos en todas sus obras.
Nada esta librado al azar, nada es fortuito, todo esta calculado precisamente para estar donde debe estar, en este equilibrio tan saludable.
Tadao Ando dice: Una casa también puede existir dentro de esta ciudad metropolitana (…) Me gustaría hacer una arquitectura que tiene ese tipo de sensibilidad sutil. Me gustaría crear algo que sólo un Japonés podría hacer. Se trata sobre la sensibilidad, ser muy sensible, para ser capaz de tratar el agua como un ser vivo. Para el tratamiento de la luz como un ser vivo. Esos elementos juntos pueden hacernos sentir que estamos vivos. Quiero hacer algo que toca los corazones humanos y deja una sensación dentro de sus corazones. Tal vez se trata de tanto luchar y vivir una vida tranquila . Estos son los grandes retos que enfrento y que encuentro satisfacción cuando puedo resolver los dos al mismo tiempo.(3)
No hay una sola manera de interpretar su arquitectura sobre todo porque es un código abierto y recibirá casi cualquier lectura que intente encontrar poesía en el espacio. Entrar en sus conceptos es una manera de aproximarse y de comprender que sus espacios están más relacionados con las emociones, con la reinterpretación de materiales comunes como la luz o el agua, con la materialización y la desmaterialización de los espacios porque siempre va a tratar de sorprender el alma más que los ojos.
Arq. Adrian Menichelli (1) “I would like man and nature to confront each other, and to have tension maintain with regards to each other. I want to create a place where that will occur” (Tadao Ando , Space Design, September 1989 p. 36. (2) Kenneth Powell, Tadao Ando, Buildings, Projects, Writings (New York, Rizzoli International, 1984) (3) Extracto traducido del video donde se refiere específicamente a la experiencia de New York
Este video acompaña las imágenes ofrecida por los developers en su website.
Seashore Library, literalmente la “Biblioteca de la Costa” podría fácilmente ser considerada la biblioteca mejor ubicada que se haya visto. Una mezcla equilibrada de diseño, entorno pacífico e increíbles vistas, este proyecto se encuentra a tres horas de Pekín y es parte de un complejo vacacional que busca promocionar un estilo de vida más tranquilo que el ajetreado de la ciudad.
La biblioteca, construida íntegramente en concreto, se asienta frente al mar, casi en el agua, en la bahía de Bohai y contiene una enorme área de lectura que se vincula directamente con él, un espacio más tranquilo para meditar, un salón de usos múltiples, un bar y un área de descanso. El estudio Vector Architects diseño y construyó este proyecto orientando los ambientes hacia el este, para crear una relación única con el océano, permitiendo su contemplación y al mismo tiempo aprovechando al máximo la luz natural y las corrientes de aire para iluminar y ventilar las diversas partes de esta bella estructura.
La sala de lectura es la mayor, comprendiendo dos pisos y una doble altura, donde se ubican escalonadamente mesas y sillas, de manera que la vista se disfruta desde cualquier ubicación. En el nivel de planta baja, una serie de puertas ventana vidriadas pivotantes se operan manualmente, para abrir la biblioteca al océano los días lindos, mientras que una tira de ventanas horizontales abre visuales desde la planta superior.
Cerchas de acero que se disponen de este a oeste soportan el vano completo del pabellón, dejándolo libre de columnas, hasta que la cubierta se curva para fundirse con la pared, orientando todo el espacio de manera que funciona como un gigantesco mirador hacia el mar. En la cubierta se abren pequeñas perforaciones ovales que permiten ingresar haces de luz, que dibujan el suelo a la vez que facilitan la ventilación natural.
El cuarto de meditación es mucho más modesto en tamaño, y está localizado en el piso superior, cerca del área de lectura. En contraste con ella, aquí solo encontramos dos pequeñas ventanas que no permiten vistas pero sí controlan la cantidad y calidad de la luz que ingresa al espacio. El concreto revela cada imperfección e irregularidad de los tableros de madera y su textura varía de acuerdo al momento del día, dependiendo de la luz, generando espacios expresivos y cambiantes. El salón de usos múltiples está separado del espacio de lectura por una pared de concreto que, a la vez lo abre al océano, permitiendo una gran variedad de actividades sin irrumpir en la tranquilidad y serenidad del mismo.
La Seashore Library, una biblioteca de ensueño para lectores amantes del mar.
Ficha técnica: Ubicación: Beidaihe new district, Bahía de Bohai, China Cliente: Beijing rocfly investment (group) co., ltd Estudio: Vector architects (Zhiyong Liu, Hsi Chao Chen, Hsi Mei Hsieh Ingeniería estructural: Beijing Yanhuang International Architecture & Engineering co.,ltd. Estructura: Hormigón Armado Materiales: Concreto, Bambú laminado, Bloques de vidrio Superficie construida: 450 m2 Construcción: 07/2014- 04/2015
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